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The Signal 由《大西洋月刊》前數位編輯 John Jamesen Gould 和首席商務官 Hywel Mills 領導，是一個總部位於美國的全球時事品牌，旨在應對長期變化和不確定的時代。 「多年來，我經歷了信號的想法不斷出現的碎片。但在我加入大西洋之後，它才真正開始成形。我越覺得我了解當代媒體生態系統的根本錯誤是什麼，這個想法就越清晰地成為焦點，」古爾德告訴 CR。 「我們從一開始就知道，從我們自己的數位媒體方法開始是有意義的，我們希望超越它，尤其是『回到』印刷媒體。我特別喜歡非期刊印刷出版物的想法——當我們有好想法和合適的機會時，我們可能會放棄這種想法。 古爾德表示，作為與人權基金會及其奧斯陸自由論壇會議持續合作的一部分，「長遊戲」旨在「將這些合作提煉成印刷出版物，特別是一種替代新聞紙出版物」。為了將這個想法變為現實，他們尋求了創意機構瑪麗修女的幫助，她從蘇聯時期秘密編寫、複製和傳播的地下文學中汲取了靈感。 參考資料 該機構的創始人利·錢德勒（Leigh Chandler）表示：「地下出版物的本質和信號組織的使命之間存在著共同的精神——地下出版物曾經公然反抗國家控制的敘事，而信號組織現在則反抗意識形態的敘事、僵化的答案和片面的觀點。 「當然，我們面臨的挑戰是，如何讓最終產品給人一種精雕細琢、美觀的感覺，同時仍能捕捉地下出版物的原始、生機勃勃的感覺——這些出版物通常是在沒有設計師參與的情況下拼湊在一起的。 該雜誌旨在強調獨裁國家與民主生活之間的全球鬥爭，其特色解決了從獨裁者如何利用人工智慧到獨裁國家內部的腐敗如何蔓延到獨裁國家之外等問題。 「在某種程度上，這種方法是預先設定的：所有對話，沒有獨白，」古爾德說。 「他們也是不拘一格的：弗蘭克·福山是一位非常著名的社會科學家；卡爾比努爾·西迪克 (Kalbinur Sidik) 是一名來自中國維吾爾地區的前教師；米蘭達·帕特魯西奇 (Miranda Patrucić) 是一名來自波斯尼亞的調查記者；等等。 創刊號的編輯設計為地下出版的另類精神增添了現代氣息，利用分層、裁剪、復古紋理和大膽的排版來吸引讀者的注意力並營造一種緊迫感。 「從蘇聯時代的圖形設計中汲取靈感，我們採用了麥盧卡粗體的粗體、簡潔和下劃線標題，作為介紹每次討論的自信書籤，」錢德勒說。 「為了在最終的印刷品中喚起一種歷史感，我們選擇了未漂白的紙材，同時透過紅色和金色的調色板注入活力，在叛逆感和精緻感之間取得了平衡。” 雖然民主與專制之間的衝突是信號使命的核心，但古爾德將長期博弈視為更廣泛主題的一部分，這些主題對於我們整體理解時事至關重要。 「我們當然想回到非期刊——我們稱之為額外期刊。我們喜歡這種形式——小報風格的新聞紙雜誌，」他說。 「我們還不一定知道我們將為下一個額外內容開發什麼主題，或者設計方法是什麼。這很好，因為如果我們不需要創造性的旅程來獲得這些答案，我認為我們這樣做就沒有意義。 內容來源：https://www.creativereview.co.uk/

Verizon 公佈了與 Turner Duckworth 合作創建的身份更新，這家電信提供商宣布了一套新的客戶福利和捆綁包。 引入了新的發光「V」標誌，取代了Michael Bierut 在Pentagram 於2015 年開發的先前勾號設計，這本身就是Landor 2000 年初始設計的迭代。 ，新標誌感覺更符合當今的品味。 標誌更新還包括更新的調色板和攝影風格，所有這些都將在數位產品中實施，包括網站和應用程式、零售空間和其他品牌宣傳品。 「Verizon 是一個強大、值得信賴的品牌，在人們的生活中發揮著至關重要的作用，但我們所做的大部分工作往往是隱形的、在幕後進行的。我們希望讓不可見的事物變得可見。 “新的標誌、設計系統和創意方法從公司的傳統中汲取靈感，同時注入 Verizon 提供的一切動力、活力和生活體驗。” 其新品牌影片中融入了傳統感，影片開頭參考了 Verizon 長期播放的“ 你現在能聽到我說話嗎？” 這條生產線已經使用了十年的大部分時間。該廣告還透過展示其服務如何讓人們在當下做任何他們想做的事情來強調「現在」。 內容來源： https://www.creativereview.co.uk/  

這位韓國設計師在她充滿活力的品牌標誌、海報和出版物中運用了馬蒂斯風格的技巧。   當設計師 Charry Kyung 離開辦公桌時，她喜歡在陌生的街區漫步，參觀所有“神秘的商店和標誌”，觀察那些經常被忽視的事物——比如人們花園裡不同種類的花。 「舊文具店也是我最喜歡的地方，」她說。 “我在觀察中偶然發現的所有古怪的顏色、字體和奇怪的圖形形狀都給我帶來了靈感。” 沒有什麼被忽視；設計師心裡保存著一本剪貼簿，記錄著她所遇到的所有色調和形式。後來，這些都融入她豐富多彩的幾何形狀中。自從進入產品和生活方式設計領域以來，Charry 也收集了一些平凡、過時和奇怪的物品。 “對我來說，每個物品都有一個故事和設計價值，我喜歡收集美麗和無用的東西，以便在我需要靈感時拿出來。”設計師喜歡在持續的 靈感板上 追蹤參考資料。她的網站上即時顯示著各種圖片，從食物到椅子（我們在 It's Nice That 網站非常喜歡這些椅子）——這是一扇通往她內心創意世界的窗戶，恰當地命名為「我腦子裡在想什麼」。 正如她所受到的多種影響一樣，“創造力源於好奇心和觀察力”，Charry 經常在數位和類​​比之間切換，探索新技術以創造豐富多彩的品牌標誌、海報、包裝和出版物。無論是印刷品還是螢幕，她奇妙的剪紙世界總是以歡快、色彩繽紛的設計為基礎。   多於 Charry Kyung：植物社論（版權所有 © Charry Kyung，2024） 多於 Charry Kyung：Natura（版權所有 © Charry Kyung，2023 年） 多於 Charry Kyung：Natura（版權所有 © Charry Kyung，2023 年） 多於 Charry Kyung：FlaFla（版權所有 © Charry Kyung，2022） 多於 Charry Kyung：《邊緣效應海報》（版權所有 © Charry Kyung，2024 年） 多於 Charry Kyung：Wave Hight 海報（版權所有 © Charry Kyung，2024） 多於 Charry Kyung：神聖花園（版權所有 © Charry Kyung，2024） 多於 Charry Kyung：神聖花園（版權所有 © Charry Kyung，2024） 多於 Charry Kyung：神聖花園（版權所有 © Charry Kyung，2024） 多於 Charry Kyung：美第奇效應（版權所有 © Charry Kyung，2023 年） 多於 Charry Kyung：美第奇效應（版權所有 © Charry Kyung，2023 年） 多於 Charry Kyung：Re:Materials 海報（版權所有 © Charry Kyung，2024 年） 多於 Charry Kyung：Sagrado 葡萄酒（版權所有 © Charry Kyung，2023 年）   內容來源: https://www.itsnicethat.com/

上田鬱夫 (Ikuo Ueda)，藝名 Typon，是一位日本平面藝術家，他倡導、探索和推動建構主義和包浩斯運動。 「我的作品體現了懷舊未來的概念，過去和未來與現在無縫融合，」Ikuo 說。視覺色調和運動的相互作用（有時是衝突）體現在圖形形式和紋理之間的對比；富有表現力的數位形狀使用掃描的紙張紋理作為基礎。這在某種程度上反映了Ikuo的興趣。 「我透過音樂和大自然感受到的一切都影響著我，」Ikuo 解釋道。 「當我創作藝術作品時，我經常聽坂本龍一的舊曲子。」因此，Typon 的作品（反覆歸類為「版本」）尖銳而誘人，形式、對比和個性交織。透過對空間和形狀的運用，Ikuo 創作出了富有節奏感的靜態場景，這些場景既令人滿意又結構嚴謹。 Ikuo 的作品通常帶有一種情感基調，藝術家採用這種方式來進行不加掩飾的表達。 「無論我感覺如何，我總是毫不猶豫地表達自己，」Ikuo 說。他有機地、直觀地排列形狀以引起人類的認真反應。泰彭 (Typon) 的藝術實踐中感性和詩意的基礎從根本上來說與其自身存在著矛盾。對比絢麗，不僅在表面上形成數位形狀與模擬紋理的並置，而且在主題上形成對比。 Typon 自信地選擇匿名數位工具來表達深刻的個人感受。 「我使用 Adob​​e Illustrator，因為它符合我對線性表達的偏好，」Ikuo 最後說道。 “另外，我一直很享受移動滑鼠的觸覺。” Typon：版本 1060（版權所有 © Typon，2025）/ Typon：版本 1098（版權所有 © Typon，2025） Typon：版本 922（版權所有 © Typon，2024）/ Typon：版本 1087（版權所有 © Typon，2025） Typon：版本 121（版權所有 © Typon，2021）/ Typon：版本 636（版權所有 © Typon，2024） Typon：版本 1000（版權所有 © Typon，2025）/ Typon：版本 832（版權所有 © Typon，2024） Typon：版本 747（版權所有 © Typon，2024）/ Typon：版本 682（版權所有 © Typon，2024） Typon：版本 989（版權所有 © Typon，2024）/ Typon：版本 639（版權所有 © Typon，2024）   內容來源: https://www.itsnicethat.com/

為什麼即使數值正確，印刷色彩仍會偏差 直說了吧——色彩管理通常有效……直到它失效。 你命中 LAB 目標，設定檔也調整到位，打樣通過。 但當你走進印刷間，抽出一張紙，卻覺得哪裡不對。 數據說沒問題。你的眼睛卻說不是。 那麼，問題到底出在哪裡？ 我們對數字過於信任了。 當今的色彩管理建立在精準基礎上——理由正當。但它常忽略一點： 色彩是感知 。而感知並不總能被設備捕捉。   即使是最佳的 LAB 匹配，也可能顯得蒼白 為什麼？因為這些數字無法解釋表面光澤、紙張質地，或在不同光源下的微妙光學變化。ICC 設定檔假設完美的 D50 光源與線性的油墨行為。但真實的印刷機並不是這樣。 至於 ΔE？ 它只是一個數字。 它不在乎中性灰在暖色螢光燈下的效果，也不在乎某個鮮紅色是否讓品牌經理覺得「對味」。 我們依然像在實驗室裡那樣管理色彩。 但實際上不是。我們身處的是印刷廠——有濕度波動、基材變異，以及操作員必須高速做出現場決策。   問題更深層 以 CIE 標準觀察者為例——現代色彩科學的基礎。它來自 1931 年的一項實驗。這組數據產生了我們至今仍在使用的 LAB 與 XYZ。 但說實話：你的工作並不活在那種受控泡泡裡。 你面對的是光澤卡紙、瓦楞基材、品牌色要求，以及在各種現場光源下的視覺判斷。所以，當品牌紅看起來黯淡，或灰色偏暖時，你知道這不是幻覺——而是系統的侷限。   接下來是油墨問題 油墨不會每次都一樣。隨著壓力、速度、溫度的變化，黏性也會改變。套印的效果會因疊印順序與鋪墨方式不同而異。50% 青色疊印洋紅，和單獨一個色塊的行為不同。 網點增大並不是理論問題——它是物理現象。 當這種物理行為改變時，你的色彩就會偏移。但大多數工作流程並不測量套印或疊印的偏差，而只測量實地色塊。這遠遠不夠。   現在來談打樣 數位打樣可以非常有幫助——但也可能誤導。 大多 RIP 並不考慮專色的不透明度、實際的網點增益（TVI）、或真實的套印行為。它們呈現的是在亮白噴墨紙上的效果——而不是 SBS 卡紙或薄膜上的狀況。當你的專色疊印在印刷機上無法對上時，問題不在你的眼睛，而在於軟體裡預設的假設。 如果你的打樣系統沒有以真實油墨試樣與實際基材表現來校正，那它就不是在管理色彩——它只是在做估算。   未來的方向是什麼？ 首先要接受：色彩管理不是一個核取方塊。它是一個系統。 而系統需要真實的數據。不僅是設備設定檔與 LAB 目標，而是反映你工廠裡、你的油墨、你的材料上色彩行為的輸入。 以下方法有幫助： 不止於 LAB，使用光譜數據並模擬印刷條件 用實際油墨試樣來校正打樣機，而不是預設值 監控套印與疊印，不只實地色塊 在打樣審核中模擬觀看環境 把色彩當作人類感知，而不僅是計算出的差值   結論 色彩科學沒有失敗。它只是止步於印刷間之外。 真正的控制點在這裡展開——在數字與細微差異的交會處，實際的色彩控制才開始。   內容來源: https://www.printing.org/

Alysha Takoushian 最早的藝術記憶可以追溯到晚上床上堆滿的兒童讀物。據她父母說，她常常在花了幾個小時鑽研插圖之後，讀到一半就睡著了，然後昏倒在書堆裡，書堆在她身上。 「我小時候想像力豐富，但不太適應學校的教育體系，」她回憶道。 「我媽媽說她上學時會帶一個活潑的仙女，但放學後卻會帶回一個沮喪消沉的小精靈。我經常因為做白日夢或在作業上亂塗亂畫而被訓斥。” 幸運的是，Alysha 的家人全力支持她的創造力。她充滿深情地回憶起在叔叔 Daniel 的藝術工作室度過的下午時光——「他會讓我在角落里布置一個創意任務，用他的音箱大聲播放音樂」——以及參加當地藝術家 Sandra 家舉辦的兒童藝術工作坊。 “她非常鼓舞人心，說實話，如果沒有她的鼓勵，我想我今天不會成為插畫家。” 這就是為什麼阿麗莎一直拒絕承認自己曾經「被」插畫所吸引。 「插畫對我來說就像第二天性一樣。我總是在塗鴉，但常常沒有完全投入：在我的待辦事項清單上，在打電話思考的時候，或者在不知所措的時候拿起紙筆，」她說。 “我可能不會一直以插畫為職業，但我確信繪畫將永遠是我生活的一部分。”   溫和的能量   她的作品很難用語言定義，但她說別人常形容它平和、溫柔、愉悅。這讓她深有共鳴，因為這些感受正是她在創作插畫時所發現的。 她的創作涵蓋數位和類比兩種形式，但她的內心深處卻深深屬於類比。 「使用模擬材料進行創作的實體體驗非常特別——沒有什麼能比得上筆尖在紙上劃過的觸感！」她說。水彩畫是她的“初戀”，但她也同樣擅長嘗試蘸水筆和墨水、水粉畫、拼貼畫，甚至凝膠版畫。 近年來，實地寫生已成為她創作過程中不可或缺的一部分。她承認，她對結果的要求“非常嚴格”，但這並不是重點。 「觀察性繪畫迫使你放慢腳步，專注於日常生活中某個細微的瞬間。放慢腳步，你開始注意到這個看似平凡的瞬間其實是多麼特別……色彩變幻和四季更迭帶來的無常之美，」她解釋道。 “它就像一劑對抗短視頻和現代快節奏生活的解藥。”   教學的轉捩點   和許多創意人士一樣，艾莉莎也曾經歷過一段對自己在業界地位的不確定時期。人工智慧的興起、持續創作內容的壓力以及自由職業的不穩定性，都讓她在2023年至2024年初之間開始受到影響。 “我仍然熱愛插畫，”她說，“但我開始懷疑，把它當成我的工作，是否會扼殺我的創作熱情。每次我坐下來創作沒有明確目標或經濟利益的藝術作品時，我都會感到內疚，這讓插畫家的處境變得艱難。” 突破發生在她開始在當地兒童書店的青年插畫家藝術俱樂部任教時。 「那是一個徹底的轉捩點，」她承認。 “教那些4到11歲聰明、古怪、精力充沛的孩子，讓我獨自伏案工作時充滿活力和平衡。這讓我感到自己真正需要的是嘗試新材料和新技術。” 觀察孩子們對藝術的天馬行空，讓她回想起最初愛上插畫的初衷。 “在我創作陷入停滯的時候，插畫正是我所需要的。” Alysha 現在定居哥本哈根，並將她的工作坊拓展至成人，旨在幫助人們在一個沒有評判的空間裡「重新找回我們每個人心中都存在的童真好奇心」。 “我們都擁有創造力，”她說，“隨著我們長大，自我設限的信念會模糊我們的視野——我教學的部分目標就是消除這些障礙。”   觀察生活，處理損失   Alysha 形容自己從來都不是「房間裡聲音最大的人」。她曾視此為缺點，但如今已將其視為創作力量的一部分。 “作為一名插畫家，你需要保持安靜和耐心，而且你必須適應觀察者的角色。” 19歲時，她視繼父為親，繼父過世後，她與大自然和觀察的連結更加深厚。 「悲傷是一件奇怪的事，因為在心痛和深深的孤獨中，我記得自己常常被大自然的美麗所震撼，」她回憶道。 “看著生命和四季如常地流轉，既痛苦又震驚，但我在大自然中找到了許多慰藉，並用創造性的方式回應它。” 她說，那段經歷至今仍縈繞在她心頭。 「插畫對我來說不僅僅是一份職業，更是一種感恩的實踐。生命如此短暫而珍貴，所以我希望能夠一直抽出時間，透過繪畫來關注我熱愛的事物。”   切換尺度   雖然 Alysha 的個人作品大多細節豐富、充滿模擬感，但她也喜歡極簡插畫中更簡約的風格。 「將溫暖、個性和易讀性融入極簡插畫中，這本身就是一種莫大的滿足感，」她談到自己使用 Procreate 和 Adob​​e Illustrator 創作的圖像和標誌時說道。 迄今為止，她最有成就的客戶委託來自去年，當時 Studio Morfar 邀請她為 Forage Box 的 2025 年覓食日曆繪製插圖。這是她第一個完全模擬的客戶項目，在 A3 大紙上用水彩繪製可食用植物和菌類——這打破了她以往的創作規模。 「為了獲得好的參考照片，我不得不親自走很多路去尋找和了解這些植物，作為一個自然愛好者，這是工作中非常受歡迎的一個部分，」她說。 「水彩畫很透明，而且不太容易被接受，所以我一開始很緊張。我甚至發現自己習慣性地把畫放大了！」 最終的效果非常令人滿意，Alysha 希望將來能接手更多類似的工作。   新的和舊的靈感   Alysha 的創作靈感涵蓋繪本、動畫和文學。童年時期，她就被 Sara Fanelli 為《木偶奇遇記》創作的充滿活力、色調暗淡的拼貼插畫深深吸引；她也十分欣賞 Tomm Moore 電影中華麗的構圖，例如《凱爾經的秘密》。 她也從謝爾·希爾弗斯坦（Shel Silverstein）作品《愛心樹》（The Giving Tree）的溫情、高畑勳（Isao Takahata）作品《輝夜姬物語》（The Tale of Princess Kaguya）的精緻水彩動畫，以及喬恩·克拉森（Jon Klassen）繪本的詼諧中汲取靈感。每部作品都以獨特的方式體現了艾莉莎在作品中追求的情感與技巧的平衡。   展望未來   目前，Alysha 繼續在哥本哈根舉辦藝術工作坊，並經常以冥想為主題。 「我對藝術的療癒功效充滿熱情，並且一直在探索如何將這些元素融入我的工作坊中，」她說。 閒暇時，她會外出描繪城市的街道、植物和日常生活。這是一種尋找連結、感受家的感覺的方式。未來，她希望創作並繪製自己的兒童繪本。 「我正在醞釀一些想法，」她說道，語氣中流露出與作品中一樣溫柔樂觀。 對Alysha來說，插畫的意義遠不止於創作圖像；它關乎對自然世界的關注，對短暫的瞬間的捕捉，以及我們內心深處的情感。無論是在公園裡寫生，指導學生的初次揮筆，或是捕捉林地植物纖細的葉片，這份專注始終如一。   內容來源: https://www.creativeboom.com/