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圖片來源：Shutterstock   GS1 UK委託進行了一項研究，旨在了解無障礙方面的挑戰，這是其讓購物更具包容性的更廣泛工作的一部分，同時也與Zappar和Navilens等科技公司開展了合作。 絕大多數人（83%）表示，食品包裝上的資訊難以取得或根本無法取得；73%的視力障礙者認為，在設計包裝時很少考慮視力障礙人士的需求。 近一半（41%）的人購買食品後才發現其中含有他們避免食用或不能食用的成分——37%的人因為看不懂食品標籤而出現過敏反應。 調查顯示，最大的障礙是文字太小或難以閱讀（56%）、光線不足（40%）、產品擺放位置不斷變化（23%）以及缺乏員工支持（22%）。 商店佈局不便（17%）、無法使用語音描述或行動應用程式支援（14%）以及缺少點字或凸起符號（13%）也榜上有名。 這導致 26% 的人在試圖識別貨架上的產品時感到壓力，23% 的人感到沮喪，21% 的人感到焦慮。 英國皇家盲人協會企業部總經理達芙妮·馬夫魯迪-喬喬利表示：「英國皇家盲人協會倡導真正無障礙的設計。無障礙二維碼為品牌提供了一種簡單直接的方式來實現這一目標，並能改變盲人、弱視人士以及所有有閱讀障礙人士的購物體驗。企業早採用無障礙二維碼，所有人越早碼，所有人越早。」 英國GS1執行長安妮·戈弗雷表示：「雖然大尺寸、高對比度的印刷字體很理想，但由於包裝空間有限，往往難以實現。GS1提供的二維碼比普通二維碼功能更強大——它們能夠讓用戶通過屏幕閱讀器和輔助應用程序訪問成分、過敏原和儲存建議等重要信息。這確保了產品信息的一致性和兼容性，讓你購買獨立兼容性。   內容來源: https://www.packagingnews.co.uk/

插畫Studio Pong   我對那些使用杯墊的人心存懷疑。保持桌面一塵不染、閃閃發亮，毫無生活痕跡，究竟有什麼理由呢？像企業辦公桌一樣乾淨，沒有承載過的餐食痕跡、潑灑過的飲料，或被刻下的圖畫和字母？這樣的桌子沒有靈魂。 桌子在家具中扮演著獨特角色。它們不是用來坐的、也不是擺著欣賞的，而是人們圍坐之處：它們是聚會的中心。桌邊展開對話，人們在桌旁墜入愛河。它們默默支撐著我們，寫字、畫畫或整理長期拖延的文件。當時光流轉、夜幕降臨，它們成為社交生活的核心。一旦天氣太冷，無法在公園相聚，我們依然會被桌子吸引。它們維繫關係，也支撐我們的努力。那麼，我們為何如此渴望讓它們看起來仿佛什麼都沒承載過呢？ 在伊斯坦堡的 Uniqka 工作室——由設計師 Kerem Aris 與 Merve Parnas 創立的皮革工坊——有一張大桌子，覆著奶茶色皮革，是 Aris 的藝術家父親幾十年前製作的。這是一件極具價值的工藝品，無論是材料還是工藝都珍貴。然而，Aris 與 Parnas 對於保存它卻不拘小節。皮革表面保持柔軟細膩，但也有數十年累積的凹痕與咖啡杯痕，承載著世代創作者圍坐其間、將想法付諸紙上的精神。沒有任何桌子能複製它；它是每一個曾坐在它旁的人之總和。 我自己的咖啡桌同樣擁有深厚歷史與不完美之美。我找伊斯坦堡的木匠，用 19 世紀奧斯曼櫃子的櫻桃木打造這張桌子。工匠將木頭拋光到光澤，一旦搬入家中，我便讓日常生活的磨損逐漸減弱那層光亮。茶杯與啤酒瓶在桌面留下弧形痕跡。一隻筆在角落漏墨，原本鮮明的痕跡如今與木色融合。貓咪也留下幾道抓痕，而每一個新痕跡讓我更愛這張桌子。 即便是量產桌子，經過磨損也能展現魅力——些微的損耗能將最平淡的家具轉變為更迷人的存在。一張金屬圓邊桌因疫情期間我笨拙地重新裝潢而濺上的油漆而更有趣。經過五年的桌遊與烤肉晚餐，我的 Ikea 餐桌上留下幾道大而滿意的刮痕。 因此，隨著夜晚來臨，桌子再次成為社交生活中心時，不妨把餐墊丟掉。沒有任何完美桌面或精緻杯墊，能比那些承載我們生活痕跡的痕跡更有趣、更具情感意義。   內容來源: https://monocle.com/

1991年，奧地利企業家海因茨·利希滕內格(Heinz Lichtenegger)創立了音頻技術品牌 Pro-Ject ，當時CD正處於蓬勃發展期。然而，他並未受制於這種最終曇花一現的潮流，而是積極推動了黑膠唱片的復興；與CD不同，黑膠唱片至今仍然蓬勃發展。對於真正的音樂愛好者和專家——包括DJ在內——而言，沒有任何一種音樂傳輸方式的音質能超越78轉或45轉的黑膠唱片。 憑藉其簡潔的皮帶驅動模式和親民的價格，首款 Pro-Ject 1 唱盤迅速贏得了更廣泛消費者的青睞，讓黑膠唱片不僅重返俱樂部，也重回家庭生活。 1999 年，該品牌推出了 Debut 系列產品，並提供多種醒目的配色方案，進一步鞏固了其作為生活方式象徵的地位。 過去三十年間，隨著消費者口味的改變，產品本身也隨之變化，但整合技術卻不斷進步。 Pro-Ject始終在中端市場中保持著提供最佳音質和耐用性的良好聲譽。 延續並致敬這一成功軌跡，全新發布的 Debut Reference 10 唱盤應運而生，它是該品牌首款採用碳纖維/鋁合金混合唱臂的唱盤。其設計傳承了其他經典型號的精髓，以光滑的霧面黑色表面搭配壓克力飾件，展現時尚格調。唱臂軸承座則以鑽石切割鋁合金材質。 它既有渾然一體的厚重感，又有閃爍奪目的光澤，彷彿帶領我們回到上世紀90年代初期的精緻設計風格。磨砂壓克力半透明主轉盤，宛如冰塊般晶瑩剔透。這些大膽而又厚重輕盈的組件，不僅在視覺上，甚至在感官上都極具吸引力，更確保了更佳的穩定性和更清晰的音質。 預調校的 Pick it PRO Balanced 唱頭在營造更沉浸式的聆聽體驗方面發揮著至關重要的作用。它不僅關乎聆聽音樂，更關乎從觸覺層面操控唱盤：將唱片放置在近乎懸浮的唱盤上，並將唱臂調整到最佳位置。 其他功能包括迷你XLR平衡式唱機輸出、電子調速開關和鍍金RCA接口。尺寸適中但又不顯得笨重的腳墊高度可調整。 這款產自奧地利的Debut Reference 10唱盤，既擁有精密的工程設計，也體現了精湛的手工工藝。雖然外觀輕盈，但這款 唱盤 沒有任何脆弱的部件或多餘的裝飾。   內容來源: https://design-milk.com/

這款手工限量葡萄酒包裝被設計為一件設計物件，在其中形態、概念與內容融為一體。內含 3 公升 Primitivo 葡萄酒，直接從義大利取得。它並非作為慶祝道具，而是創意過程的一部分。 這個專案源於將 2D 圖示轉化為真實、具體物件的想法。起點是一件先前設計的帽T，上面有 Tetrapak 標誌，而這一次則被轉譯為三維、可觸的形式。 此專案旨在感謝那些共同創作的客戶與合作夥伴，同時也反映出一種信念：創意與工藝能將簡單、日常的物件昇華為更特殊的體驗。   內容來源: https://packagingoftheworld.com/

人工智慧在設計領域不再是未來幻想——它已成為當下的現實。我們已經看到 AI 在實際應用中能顯著擴展設計師的能力。它如同一個放大器，讓個人或團隊能夠生成更多想法、更快迭代，並探索那些原本可能不會浮現的方向。 其中最明顯的早期優勢之一是在概念生成上。由生成式 AI 驅動的工具可以快速產出情緒板和產品概念渲染，就像擁有一隊數位實習生，隨時準備創造視覺替代方案。這不僅加快了工作流程——也擴大了創意探索的範圍，直接導向更高品質的解決方案。而在文字層面，AI 現在甚至可以模擬基本的腦力激盪。我在 90 年代剛開始設計時，需要八個人在同一個房間花一小時才能產生廣泛的想法；如今，一個 AI 合作者幾秒鐘就能完成這件事。 Drew Bamford, Citizen Designer AI 在設計過程中最擅長的階段是發散階段，其目標是追求數量與多樣性。在這個階段，精準性並非關鍵。畢竟，即便是人類在腦力激盪中生成的想法，也常常凌亂、不完整或不可行。真正需要人類判斷的，是概念收斂階段——在此階段，概念被精煉與驗證。AI 可以提供建議，但選擇權仍在我們手中。 在此情境下，速度並不是為了偷工減料，而是為了允許更多迭代。設計過程向來是循環式的；迴圈越多，結果越好。AI 加快了每個階段的進程，使得更多迴圈得以在不延長時程的情況下完成。但隨著速度而來的是風險。如果盲目採用捷徑，錯誤可能被放大。信任 AI 輸出需要謹慎。就像我們會驗證新同事的工作一樣，我們必須審核 AI 的結果——至少在目前如此。信任需要時間建立。 編輯註：本文是新系列的一部分，探索 AI 如何改變實體產品的構想、設計與製造方式。《硬體是新鹽》將聚焦於多位位於 AI 與產品設計交叉領域的思考者與創作者，以及他們對這個動態技術生態的見解。此系列由 Enzzo 贊助，Enzzo 提供以 AI 為核心的產品開發平台，旨在支持下一代創作者。 除了加速設計流程外，AI 還提供了更高層次的個人化可能性。透過降低設計流程的成本與複雜性，創造小眾甚至個人化產品變得可行。試想設計一個產品不是為了大眾市場，而是為了「一人市場」。這種轉變可能大幅提升產品對使用者的貼合度。 這也提出了一個更哲學性的問題：我們想要更多產品，還是只要更好的產品？AI 有潛力釋放大量新事物，但同時也可能加劇過度消費。我們必須在所建構的工具中嵌入正確的價值觀。 但該是誰的價值觀？這些工具在全球各地開發，文化規範與優先事項各不相同。永遠不會有單一、普遍適用的道德框架被編入 AI。 然而，這裡也存在令人振奮的機會：民主化。就像早期網路讓個人能成為出版者一樣，AI 可能讓任何人成為產品設計師。結合快速原型或增材製造，突然之間，小型企業——甚至個人——都能創造出企業可能忽略的有意義產品。這種賦權可能重塑創意經濟。 AI 並不是我在設計領域幾十年生涯中見過的第一波技術轉型。我學會用鉛筆手繪設計稿，後來出現了 CAD，使我們能創造出之前無法想像的有機形態——其中一些出色，另一些僅是新奇。AI 可能也會帶來類似的探索與過度階段，直到工具被正確整合進實務中。AI 在設計中的長期成功，取決於我們如何利用它來增強人類優勢，而非僅僅被其能力所左右。 AI 可能感覺不同，因為它具有智能，或者至少模擬智能。它不僅依賴設計師的思維——它帶來自己的「想法」。這是一個新範式。但我們應記住，它仍然是一個工具。像所有工具一樣，它的價值取決於使用它的雙手與頭腦。   內容來源: https://www.core77.com/

有故事的人：吟詩的設計師 會說故事的人不多，有故事的人更少；會說故事本身又有故事的人，那就更是稀少了。林磐聳就是這樣一個少之又少的人。他被譽為「台灣設計界導師」，但卻是個很難被定於一格的人，因為他身上兼容並蓄，有著太多精采的故事。 ●(左)在中正紀念堂一樓第二、三展覽廳盛大展出的「就是愛，台灣：2025林磐聳台灣意象展」 ●(右)筆者莊坤良(左)與林磐聳合影於「就是愛，台灣」展覽現場   林磐聳給人的第一印象是：大氣、豪爽、真誠，能文能武、大開大闔、有勇有謀，極具人格魅力。他來自學院，但有著業界的經驗。能談理論，也有實踐能力。他受過傳統美術訓練，但在創意開發的設計領域大放異彩。酷愛旅行，走遍大江南北和世界各地。有著豐富的國際交流經驗，但更關心在地文化的發展。他的點子多，創意源源不絕。交遊廣闊，國內外人脈豐富，任何聚會，有他在場，總是談笑風生，趣味橫生。他渾身散發一股磁力，吸引大家親近，真是個天生的領袖人物。(見圖1～3) ●圖1(左)：2001～2003年林磐聳(右5)在南非約翰尼斯堡舉行的ICOGRADA國際平面設計社團組織會員大會獲選為ICOGRADA理事會九位成員之一 ●圖2(右)：2004年林磐聳(後排右2)邀請tDA亞洲設計聯盟成員參與東方技術學院主辦的「國際華文設計週」活動，展現其交遊廣闊與國外設計人脈 ●圖3：林磐聳自2006年為教育部啟動「設計戰國策：鼓勵學生參加藝術與設計類國際競賽計畫」   生長在屏東東港，從小看海長大，總是瞻望前方，具強烈的冒險精神，他帶著開創新局的企圖心，十足的海洋性格。回顧一生的成長，他說自己從大海學到如何面對困頓，也從中提煉出一套包容與分享的處世哲學。大武山下的屏東子民，對山也有一份特殊的感情。他的創作從雲霧嬝繞的大武山裡得到靈感，一系列的〈夢的島嶼〉和〈大山無價〉創作，總帶著大武山高拔挺立或飄渺在雲際的影子。山與海構成了他創作台灣故鄉最堅實的主題，他也在創作中展現出這份最純粹的鄉土情懷。 東港緊鄰台灣海峽，自清以來即有福建移民來此定居。居民傳統以捕漁為業，近年以捕撈黑鮪魚出名，但東港最為人熟知的文化慶典，當屬每三年一科的迎王平安祭典燒王船。林磐聳雖為高等學府的知識份子，但從小就接受王船的常民文化薰陶，因此對傳統文化也有一份近乎本能的喜愛，更把這份愛轉化為無盡的創作靈感。故鄉的風土人情是融入個人血肉的文化元素，而影響他藝術生涯更關鍵的是他的家庭教育。他生長在一個藝術的家庭，父親林慶雲是台灣早期傑出的攝影家之一，畫面構圖的藝術經營、光線的明暗對比、主題的選擇與個人情感的投入，這些基礎的美學元素，早在日常家居的生活裡就已經紮根。此外，他父親也是古典音樂的愛好者，早年在東港鄉下小鎮，聆聽巴哈、莫札特、貝多芬、蕭邦，恐怕也是鳳毛麟角的雅好。林磐聳受此影響，他對藝術設計的營造，也總能從音樂的流動中得到啟發。從具體物象到美術設計，從音韻感受到抽象思維，這種得天獨厚的家庭教養，讓他得以在音樂與攝影的沃土上成長。(見圖4、5) ●圖4(左)：林磐聳的父親是台灣前輩攝影家，其作品為國立台灣美術館、臺北市立美術館、高雄市立美術館、創價美術館典藏  ●圖5(右)：2018年創價美術館出版《時代的眼睛，故鄉的印記：林慶雲、林文彥、林磐聳父子三人聯展》專輯封面 這樣的生長環境可遇不可求，特別值得一提的是，他在高中時期遇到留日的美術老師莊世和，莊老師深受日本當時前衛藝術風潮的影響，在傳統為主的美術教育中獨樹一格，因此林磐聳的藝術啟蒙比別人還早，也早早開啟了接收藝術新風潮的信念。後來進入臺灣師大美術系，向國內一時之選的水墨、西畫、設計等藝術教授群學藝；從古典到現代，從實務到理論，他在臺師大受到諸多名師的啟蒙與薰陶，蔚然成為一位傑出的藝術青年。特別是他深受王建柱老師在設計思維與實踐的影響，引導他日後走上設計專業的道路。遇到好老師是他的幸運，但青出於藍則是他的努力與本事。 林磐聳喜歡閱讀與思考，閱讀讓我們與這時代無緣見面的人相遇，擴展我們生命領域，讓我們得以與遠方的作者進行知性的邂逅，啟迪思想。閱讀也是一種文字與思想的旅行，許多的創意也來自我們與陌生的作者所進行的心靈交流。他是設計界的文案高手，中文素養佳，思想活潑，這與他優秀的閱讀與寫作能力有關。他具詩人氣質，想像力豐富，情感細膩，賦詩寫作，信手捻來，多是佳作。例如，他與朋友唱和的小詩：「人生行旅已匆匆，藝友同游且從容，試問知己幾日紅？猶見門前一青松」。這是有情人談友情，相知相惜，盡在不言中。短詩讀來盡顯唐宋詩詞情懷，頗具古風趣味。他也為在九份黃金博物館駐村藝術家好友楊恩生來首亦莊亦諧的打油詩：「一人獨坐追時光，七旬已近莫輕狂；三五好友情難忘，九份黃金顯光芒」。玩玩數字遊戲，也帶出對朋友的真情。林磐聳曾經賦詩〈人到中年〉：「雙十潛沈藝中行，奮而立志摘星斗，江湖風雨心不惑，毀譽參半百折競；試問解甲子心境，七零八落看晚晴，九九夢迴停看聽，一如清風拂明鏡」。這些看似隨手而成的詩作，其實處處顯見巧思。 大學畢業後留在台北工作，28歲即出版通行兩岸、設計科系學生人手一冊的《CIS企業識別系統》專書，真是出名要趁早。之後與大學同學共同創業，成立登泰設計顧問公司，承接兩岸企業形象識別系統規劃設計，投入真槍實彈的設計實務。累積諸多實務經驗後，再返回臺師大母校擔任美術系教職，先後擔任美術系主任、視覺設計系主任與副校長，展現其行政長才。後來因緣際會搭上兩岸開放交流與國際化風潮的列車，他積極參與國際與兩岸設計社群並且獲獎無數，ICOGRADA國際平面設計社團協會分別於2002年和2011年，先後兩次頒發「傑出成就獎」和「設計教育貢獻獎」給林磐聳。這是他個人的成就，也是整體台灣設計界的榮譽。(見圖6、7) ●圖6：1985年林磐聳於空軍預官服役在藍天藝工隊期間，編著由藝風堂出版的《CIS/企業識別系統》  ●圖7：林磐聳分別於2002年和2011年兩次榮獲ICOGRADA國際平面設計社團協會頒發「傑出成就獎」和「設計教育貢獻獎」 他以設計作為一生的志業，長年畫著台灣，把台灣島嶼當作自己的個人符號，台灣故鄉的風土人情和歷史文化就成了他創意的源頭。多年來他持續以台灣印象、形象和意象展開系列創作，無數經典的作品在他的精心繪製之下相繼問世。綜觀之，他這一路走來，雖有顛簸起伏，但也開創大局，除了個人成就外，更成功地把台灣意象推向國際舞台。 班雅明(Walter Benjamin，1892～1940年)說：「講故事的人總是最敏銳地察覺過去在當下留下的痕跡。它們不是單純的想像產物，而是生活經驗的結晶。正因為如此，它們對聽者產生如此深刻的影響」。林磐聳的人生閱歷就是一則又一則精采的故事。他對事物的觀察評論，具有強烈的歷史感，對自己的志業，具有濃郁的使命感，因此總能從過往的故事中發現新的啟示。他的視野廣，觀察深，遇事總能撥雲見物，看見事物背後的本質因素。他的言語活潑，論述具有清晰的結構，同時善喻風趣，說起故事總是帶著感情而別具說服力。因此，其作品總能貼近人心，別具感染力易於引發大眾共鳴。有思想，有感情，有行動，他是國內最具影響力的設計師之一。 林磐聳身上有著強烈的設計師特質：「敏於時事，善於思考，勇於表現，樂於分享」。作品本身就會說話，他用平面海報設計說台灣的故事，他用景觀造型公共藝術說鄉土認同的故事，他用海內外撿來的石頭說台灣的心情故事，他持續從海外寄回明信片的家書，是心向台灣的具體行動藝術，他以作品與社會大眾溝通。透過展覽舉辦，我們一起來聆聽他的故事，細賞他的創作。

台灣海報：漂泊與情牽 這次的展覽的主題是台灣之愛，英文標題是“Simply Love/Taiwan”，給人單純為了愛，為了台灣，為了愛台灣的聯想。英文的Simply指不帶任何條件，只是單純本能的愛自己的故鄉，這句話總結了林磐聳設計生涯的主要關懷。整個展覽分為六個主題：(1)台灣形象識別設計；(2)台灣印象海報設計；(3)台灣意象藝術作品；(4)藝術與設計策展；(5)公共藝術；(6)文創商品，這六類的創作其實都環繞在台灣之愛這個母題之上。 出生在屏東東港，就註定永遠是台灣的孩子。我們出生的地方是我們的第一故鄉，也是永遠的故鄉，不論你離開去了哪裡，一旦被問起來你是哪裡人，自己生長的地方總是第一個脫口而出的字詞。這是一種本能、純淨的感情，無法被替代。林磐聳眷念故鄉，因為故鄉裡有最珍貴的親情、友情和最熟悉的風土民情、最對味的飲食水果和最深層的生命認同。高中畢業離開故鄉後，故鄉就成了思念的對象，後來長年為生活奔波，總覺得江湖太近，故鄉太遠。魂牽夢縈，只能在精神上不斷返回原鄉，維繫個人的心理寄託。 雖然高中後就到台北讀書與工作，但他的第一張台灣意象作品就是繪製東港老家書房的一盆黃金葛開始。老家給了他無盡的創作養分，從黃金葛到蝴蝶蘭到台灣的山巒，他依序展開繪製台灣印象、意象和形象的系列創作。經過多年的努力，他成功把台灣當作自己「設計思考」(Design Thinking)的對象，進而把它轉換成一個文化圖騰。台灣圖型成為了他的註冊商標，隨著他的腳步行走天涯，在國際設計界的舞台上發光發亮。 故鄉滋養了遊子，他也沒有忘本，在他功成名就之後，也不時回饋自己的家鄉。他引進國際資源，把國際知名的日本設計師福田繁雄的東港黑鮪魚作品，安置在東港大鵬灣國家風景區成為旅客打卡的地標。他也為屏東潮州的台灣鐵道文化園區，設計一個象徵連通全島、永續發展的台灣造型大型公共藝術，點亮了故鄉屏東的藝術氣息。 從平面設計出發，林磐聳一系列有關台灣的海報設計最為人津津樂道。台灣的政治地位特殊，雖是經濟強國，但在國際舞台上受制於各方力量，總不免有風雨飄搖的危機感。他常搭飛機來往世界各地途中，對台灣在國際與兩岸的艱難地位感受特別深刻。有一次他在萬里高空上看到窗外藍天裡的片片白雲飄過深深有感，他的招牌海報〈漂泊的台灣〉於此誕生。台灣島嶼圖像就像窗外那些無根漂泊的白雲，雖然浪漫美麗，但也隱含了高度的焦慮危機。我們習慣說要從台灣看世界，更要從世界看台灣。但他從空中看台灣的視角，跳脫二元對立的思維，以更高的緯度來審視台灣故鄉。這件作品直擊每個台灣人的心靈，引起了高度共鳴。一件好的作品不應只是經營美好的構圖或色彩，它應該要引起觀者心靈的共鳴。雨果曾說：「世界上最寬闊的東西是海洋，比海洋更寬闊的是天空，而比天空更寬闊的是人的心靈」。林磐聳的作品觸及人心，引發普世人民的心靈共振。(見圖8、9) ●圖8(左)：1993年林磐聳創作了他自稱是個人最具代表性的海報作品〈漂泊的台灣〉 ●圖9(右)：1999年林磐聳撰述出版《設計觀點：一個設計人的思考與觀點》  無根的雲朵在空中漂蕩，這當然也讓我們連想到諾貝爾文學獎得主，也是美國民謠歌手巴布狄倫(Bob Dylan，1941年～)那首撼動人心的“Blowing in the Wind”：How many roads must a man walk down. Before they call him a man. How many seas must a white dove sail. Before she sleeps in the sand. How many times must the cannon balls fly. Before they’re forever banned. The answer, my friend, is blowing in the wind. The answer is blowing in the wind. 和平是普世人民的共同期待，但是砲火喧天的亂世，和平卻又如此遙遠，一個人要走多少的路程，才能壯大？要等待多少砲擊，才會停火？和平鴿要飛多遠，才能安全停息？一連串的叩問，沒有人可以給我們答案，答案只在風中飄盪。林磐聳這幅作品也傳達同樣的憂思。 詩人余光中也在他的詩作〈江湖上〉，挪用Bob Dylan的歌，他省思兩岸家園，喟嘆：一個島，算不算你的家？一眨眼，算不算少年？一輩子，算不算永遠？答案啊，在茫茫的風裡。他同樣沒有答案，亂世人民的無奈，也如風中飄盪的流雲。同樣，華語歌壇影響力頗大的歌手羅大佑，也呼應台灣名作家吳濁流的小說〈亞細亞的孤兒〉，創作同名的歌曲，比喻退出聯合國的台灣是「亞細亞的孤兒在風中哭泣，沒有人要和你玩平等的遊戲」，他質問「多少人的眼淚在無言中抹去，親愛的母親這是什麼道理」？他也延續Blowing in the Wind的控訴基調，在風中哭泣的孤兒，會是一種怎樣的悲情？ 林磐聳這幅作品裡漂泊的台灣圖像和Bob Dylan、余光中和羅大佑的詩歌，有著異曲同工之妙，同樣關懷台灣家園，同樣的憂思，引發共鳴。西諺說：“A picture is worth a thousand words”，千言萬語不如一張圖。藝術家從海外從空中，遠距離反觀台灣故鄉，反而看得更清楚，憂心也更強烈。這張作品看似簡單，但卻也明明白白說出多數台灣人的心情，誠為經典之作！ 這一系列的台灣海報還包括〈環保內服藥〉，借用現成的藥袋來檢視生病的美麗島；這個乾坤大挪移的「掉包」，巧妙表現出一種「重複的差異」(Repetition with A Difference)技法，以大家所熟知的物件，表達了一種全新的體驗，收到訊息傳達的效果。〈渡臺悲歌〉則以宗教符紙的造型，重述「唐山過台灣，心肝結歸丸」的台灣移民歷史。文句中多是警語，勸阻漳泉民眾勿輕易渡台，因台灣是蠻荒之地，宛如鬼門關。但這就是台灣先民不怕死求生存的精神，台灣人骨子裡都流淌著這樣的移民性格和和冒險打拼的基因。台灣島是夢土，是醞釀夢想的地方，也是希望之所繫。(見圖10、11) ●圖10(左)：1994年〈環保內服藥〉借用現成的藥袋來檢視生病的美麗島，是借用1920年代蔣渭水創辦「台灣文化協會」時為當年台灣社會開出的診斷報告書；林磐聳巧妙表現出一種「重複的差異」形式，以大家熟知的物件表達出一種全新的體驗，不僅收到訊息傳達的效果，也藉此對於台灣社會的嚴肅警告 ●圖11(右)：1992年〈渡臺悲歌〉是林磐聳閱讀清朝時期閩粵地區客家人，經由客頭(帶頭人)誘拐偷渡來台，最後落得「千人人去無人轉，知生知死都是難」的下場，同時反思1990年代初期中國許多「閩平漁」號的漁船偷渡客所發生的不幸事件 2019年他在故鄉屏東美術館與日本瀨戶內市立美術館展覽的海報作品〈夢的島嶼〉，重組英文“Taiwan island is the land of dream”的創意發想，把“island”分拆為“is land(of dream)”的文字拆解遊戲，轉移到台灣島嶼的呈現方式，於是有了層層點描的百岳山巒從南到北，依序展開連成一個整體的台灣圖像，這種部分與整體的辯證關係，所有山巒既分別獨立，但又相互連結成一體，為我們提供一個全新觀看台灣的視覺效果妙不可言，只能佩服他的創意。有別於上圖的橫向表現，2020年〈故鄉×故事〉則採取縱向的呈現，兩幅對比，彰顯不同的趣味。這裡林磐聳轉向玩弄中文字的排列組合趣味，把故鄉和故事以「古」字串接，隱喻「君自故鄉來，應知故鄉事」的鄉情與鄉愁。台灣的山岳以垂直切割的形狀，並排連結在一起，帶著幾分立體主義的表現趣味。

林磐聳的設計思考也從關懷故鄉的過去與未來，擴展到他對地球環保生態、人類命運與世界和平的普世價值。例如，〈生命LIFE〉這張海報也玩弄英文字母的排列組合，把F和E兩個字母利用紅十字連結起來隱射生命可貴，需要我們包容呵護和珍惜。〈PEACE〉也是另一個精彩的例子。他把置中的A字延伸成一條通往和平的道路。三角構圖，簡單明白，掌握了設計美學大道至簡的精髓。(見圖12、13) ●圖12(左)：1998年〈生命LIFE〉海報他極為巧妙地將英文字加以排列組合，把F和E兩個字母用紅十字連結起來隱射生命可貴 ●圖13(右)：林磐聳於2000年創作的〈PEACE〉海報，他以大中至正的構圖將A字延伸成一條通往和平的道路   〈地球的呼喚〉則以燃燒的火柴棒頭隱喻地球，也是一種借代(Synecdoche)的修辭手法，林磐聳將之與橫向文字組成一個十字架，更傳達了地球在燃燒，需要你我的救贖，這種弦外之音讓他的設計增添了更多的人文思考。〈生命之翼〉則是回應南亞海嘯的作品，大自然的天災捲走數十萬人的生命，他以代表海上遭難死亡的十字架逐漸升空成為和平鴿，來表達亡靈得到撫慰與最終的自由。而〈一帆風順〉則是另一個經典的傑作。海上航行的風帆，以「帆」字中的一點構思，露出地平線的風帆，強化了點與面的張力，反成整幅作品的焦點，完美呈現「一帆風順」這句成語的精華，真是神來之筆。 這一系列的台灣海報，從有形到無形，從物質到心靈，從鄉土到世界，從個人到普世價值，彰顯林磐聳的設計思考，以及他的格局與胸懷。林磐聳不只是台灣設計師，也是世界的設計師。 台灣家書：深情的溫度 本次展覽裡的「台灣家書」明信片系列是一項很特別的作品，展覽以懸吊裝置方式展出1,080張林磐聳親手繪製從世界各地郵寄回台灣的明信片，另外在展櫃之中也展出120幅明信片。林磐聳有著很豐富的海外旅行經驗，人性使然，我們在家時常思念著遠方的邂逅，但旅行在外時卻又特別念家、戀家、護家。有感於旅行當下的許多奇思妙想和時空感受，常因時間久了就被遺忘了殊為可惜。他受到德國「卡塞爾文件展」(Kassel Documenta)的啟發，於是從2007年開始啟動一個「台灣家書」的計畫，他以明信片創作記錄當下的心情故事或文化觀察，並從世界各地郵寄明信片回台灣；因為明信片上的郵票有郵戳的印記，也就同時具有真實「時間、空間、人間」的紀錄。他的第一封信也是從故鄉東港寄給台北的自己，以故鄉作為起點格外具有意義。這個計畫到今天依然還在持續進行，目前總計有超過三千多張實際郵寄的台灣家書，這是一個不可思議的里程碑數目，展現他走過的路，經歷的事以及令人佩服的毅力。持續寫信寄回台灣，正是他對台灣家鄉永遠的愛戀。筆者多年前也曾收到他從海外寄回來的明信片而深受感動，因為握在手上的溫度，遠非一張虛擬的數位明信片所能比擬。(見圖14、15) (由左到右) ●圖14：2007年林磐聳首件「台灣家書」明信片即是寄自故鄉東港寄給台北的自己 ●圖15：2007年林磐聳的妻女移居美國馬里蘭，他多次往返兩地而展開「台灣家書」創作概念 ●圖16：2007年寄自美國紐約聯合國總部的明信片，指紋形狀的台灣圖騰，意在言外地希望台灣應該要有自己的認同和自己的身分Identity ●圖17：2022年林磐聳在美國西墨西哥州聖塔菲藝術小鎮參觀Freeman Gallery自由人畫廊，看見畫廊戶外的雕塑有感，他巧妙地將雙手抱腿的人形繪製成台灣造型，並將小小的台灣藏在胸口靠近心臟的地方   明信片是一種時光的文件，它可以記錄書寫人對當下生活的感受。林磐聳認為一張明信片作品就像一個生命的切片，真實記錄個人生命行旅的經歷與感悟，這些作品的積累也象徵個人生命與時代生活的交集。這批大量明信片作品就像史料的收集，可以不斷積累出具有深度與廣度的文化風貌。他旅行在外隨身攜帶鋼筆、墨水筆與空白明信片。有時也就地取材就用飯店的便條紙或是觀光地圖當作底紙，由於便條紙和地圖之上的城市和飯店地址與名稱，增加了文件的歷史性意義。現在這個「台灣家書」的規模已經從量變到質變，觀者可以從這些由世界各地郵寄回來給台灣的作品裡，看見域外世界的風情變化，以及一位傑出藝術家的心靈寫照。例如，他在紐約的聯合國總部，一個台灣被排除在外的世界組織，令他感觸特別深，他畫指紋形狀的台灣圖騰，意在言外地希望台灣在此也有自己的認同和自己的身分。他在新墨西哥州的聖塔菲參觀歐姬芙美術館，也在「自由人藝廊」(Freeman Gallery)看見一尊母親雙手抱膝，狀似蹲坐的公共藝術雕像。他以此作畫，但巧妙把台灣藏在母親胸口最靠近心臟的地方，彷彿在訴說不被國際社會接受的台灣，仍是母親最疼的孩子，他也有權利做一個「自由人」。理解他在明信片裡所蘊藏的創作理念與藝術手法，更是令人感動不已。(見圖16、17) 他去過太多的地方，留下許多不可磨滅的記憶，但這些走過的足跡一一化作一張一張的台灣家書，向故鄉報告自己在外所見所聞所思所想。他去俄羅斯的聖彼得堡，就用飯店提供的市區地圖作畫，把台灣畫在內瓦河畔的列賓美術學院之上，象徵向美院的藝術大師致敬，也同時有台灣插旗藝術殿堂的豪氣。他去耶路撒冷橄欖園，在明信片上題字「老幹新枝」，象徵基督的死亡與再生，並為新舊並存，傳統與現代共生的生命狀態多所啟發。他去參加東京的WDO設計大展，也把大會的名稱融入台灣圖像，述說台灣並沒有缺席，台灣還是大會注目的焦點。佛教是台灣最大的宗教團體，他去了佛教的國度泰國的清邁，明信片裡台灣與佛教徒的形象合而為一，展現出泰國與台灣同樣具有慈悲為懷的人道精神。(見圖18～22) (由左到右) ●圖18：2016年林磐聳在俄羅斯的St. Peterburg聖彼得堡旅遊，沿著河走過的路徑在飯店所提供的地圖上繪製出了台灣島嶼 ●圖19：2023年林磐聳參觀以色列耶路撒冷橄欖園所繪製的明信片題名〈老幹新枝〉，象徵基督的死亡與再生，並為新舊並存，傳統與現代共生的生命狀態多所啟發 ●圖20：2020年中華民國美術設計協會及大計文化於台北西門紅樓舉辦《台灣百年視覺設計》套書出版，特別繪製明信片紀念這個台灣設計史上具有歷史意義的日子 ●圖21：2023年為創價美術館策畫「世紀的容顏：台灣百年美術設計發展暨文獻展」  ●圖22：2023年電視媒體報導故鄉屏東東港捕獲大量黑鮪魚，林磐聳特別繪製明信片紀念 隨著他的腳步，他把台灣帶往世界，並把世界的見聞與感觸寄回台灣，開啟了一種屬於他愛台灣的方式。他的台灣家書代表一種軟性的力量，一種雙向改變的力量，台灣和世界在他的書信裡找到了相互依存的關係。台灣不是一座孤島，雖然四面環海，但在文化上、在地殼岩盤下，台灣仍和世界各地緊密堅實地連著一起。一張小小的明信片具體而微地展現了台灣與世界的連結。看著本次展出千餘張明信片，想像其背後所代表的地理足跡與人文藝術的情懷，這是政治力量所沒辦法到達的文化高度。某次和他一起喝茶、閒談，他笑說現在出國最大的焦慮，就是怕找不到郵筒寄明信片。在世界的角落，他心中念著的還是台灣。 台灣練習曲：只有堅持，沒有捷徑   林磐聳平常以A4、A3尺寸繪製「我的台灣，看見心靈的故鄉」後來更名為〈台灣練習曲〉，本次展出將近百幅系列創作，這一系列的作品奠定他以台灣圖案作為載體的精彩創作。系列作品取名靈感是來自音樂的「練習曲」(Étude)，因為他在高中到大學時期彈奏古典吉他，深諳「練習曲」的重要性，所以對於自己的藝術創作也是採取「練習曲」的日常修行方式來進行。因為不同的樂器，如鋼琴、小提琴或長笛，都有其練習曲。它是一種音樂作品用來作針對性地練習，目的在提供音樂家熟悉各種演奏技巧並提高詮釋作品的能力。這種類似基本功的練習，必須透過不斷的練習，方可以從基本技巧發展到相當難度的表現，其本身展現的藝術性和創意表現也不可輕易視之。

2005年春節，林磐聳返回東港老家看見父親書房中的黃金葛，綠意盎然而充滿生命力。這盆栽展現經歷大武山落山風洗禮後的堅韌，還有東港海洋風鹹濕味道的孕育，養成一盆翠綠的生命象徵。他當天便以此為對象畫了第一張台灣島嶼造型的練習曲。他巧手妙思將那些層層疊疊看似無序的葛藤，加以藝術化處理後，整出一個翠綠的台灣形象，這個模式也確定了他以台灣造型作為載體的創作風格。以老家盆栽作為描繪的對象，以家鄉作為出發點別具意義。他彷彿找到創作的源頭，此後源源不斷的創意欲罷不能，創造了非常多豐富且精彩的作品。在每次的旅行中，他能敏銳地感受當地的人文地景，並將之轉化進行這樣的「練習曲」磨練基本功，造就了他手到圖來的功力，使他成為設計界一道不可忽視的風景。筆者問他，何來這樣的恆心與毅力？他笑說就像台灣電影《練習曲》中的名言：「有些事現在不做，一輩子都不會做了！」 以台灣作為載體，他還把台灣這塊土地上的植物花卉、川流山石、生態環境、人文風情和家國情懷，通通收納在台灣圖騰裡面，具體而微地展現台灣的多元面貌。例如〈台灣櫻花鉤吻鮭〉是以美麗的弧線構成律動的魚身，是一件優秀的作品。櫻花鉤吻鮭是冰河時期留下的魚類，因為地殼變動，高山隆起，河流阻斷，讓它們回不到洄游的大海與河流。但它們強韌的生命力，重新適應武陵農場七家灣溪的生態而奇蹟般存活了下來，成為台灣最珍貴的國寶魚。櫻花鉤吻鮭的傳奇，本身就具有很強的啟示性，林磐聳這件作品傳達了台灣最具象徵性的生命力。 〈書香台灣〉也是一件精彩的作品。他巧思把台灣包裝成一本半開的書，並從中開出美麗的花朵。看似簡單的筆觸裡，有著綿密的思考。閱讀是最經濟的旅行，打開書本你就擁有世界。閱讀，你的思想就可以開花結果，多美好的想像。因此，法蘭克福國際書展台灣館選擇這件作品當主視覺，真的是再恰當不過了。 〈台東蝴蝶蘭〉也是練習曲中的精品。台灣原生種的白色蝴蝶蘭，曾代表台灣在花卉市場和花藝界大放異彩。一盆盛開的蝴蝶蘭構成一個台灣島，細緻豐富的點描線條構圖，自帶一份高雅氣味。〈野薑花香〉構圖活潑，吸引目光，野性的香氣四溢。展現台灣山脈之美的〈中央山脈〉，百岳從北到南，依序展開，在雲霧間隱現，傳神至極。從屏東到台東的〈九彎十八拐〉舊南迴公路，以S型為設計基調，連成一幅流動的畫面，忠實傳遞逢山開路、逢水架橋、峰迴路轉的險峻，也給人一種飛馳期間的暈眩感和台東人回家之難的體驗。〈永結同心〉則從彩帶構思，以絲帶線條的圓弧律動包紮台灣，別出心裁，效果奇佳。上述這些簡介只是他眾多作品中的幾個例子，但每幅作品都不禁叫人讚嘆，他變化萬千的藝術手法，展現出多元多彩的台灣風情。(見圖24) ●圖24：〈台灣練習曲〉系列作品－屏東東港老家黃金葛(左)、台灣櫻花鉤吻鮭(中)、台東九彎十八拐(右)  除了手繪台灣家書和練習曲外，他對台灣的執著，竟然轉到收集看起來像似台灣的物件。他從杜象(Marcel Duchamp，1887～1968年)的〈噴泉〉(Fountain)得到以「現成物」(Art Object)來進行藝術表現的靈感，也就是以一件藝術家「挑選」，而非「製作」的現成品來展出。這種達達主義(Dadaism)精神，擺脫物件原有的功能屬性，重新把它安置在一個新的情境脈絡(Context)，讓物件產生全新的意義。換言之，這個系列企圖擺脫傳統繪畫藝術的規範，要拉近生活與藝術的距離，啟發觀者只要有心，都可以找到新的角度，從平凡的生活中，發現生活裡處處都潛藏著不平凡的美。 林磐聳常說：「只要有心，就會看見台灣」。於是他從石頭、樹葉、白雲、琥珀、蔬果、木紋ÿ等自然物裡去尋找形狀類似台灣島嶼造型的圖像，他把這個系列稱作「台灣觀自在」，取其「萬物靜觀自然」，夾帶《心經》的聯想。心經論述佛陀的慈悲大愛與航渡彼岸的智慧，林磐聳透過這個類似「文獻式行動藝術」的表現中，傳達他對台灣最單純、最無私、最令人動容的愛。 筆者問他為甚麼到處撿石頭，他笑稱：「要把流浪在外的台灣撿回家」。他通常會把找到的台灣圖像，拿在手上和石頭的所在地點一起拍照存證。這時候，拿在手上的石頭，也不只是石頭了，而更多的是他對台灣的愛，以及他要帶著台灣行走世界的隱喻。他的浪漫執著和對台灣認真的傻勁感動了他的朋友群，大家都知道帶一塊台灣石頭送他，最能博取他的歡心。 這個帶點實驗性質的「行動藝術」，擴展他的藝術「再現」方式。我們跟著他的足跡，可以看見石頭台灣出現在世界各地。在巴黎、倫敦、馬德里、阿姆斯特丹、柏林、莫斯科、北京、上海、首爾、東京、大阪、京都、曼谷、檳城、雪梨、墨西哥、洛杉磯、舊金山、紐約、大峽谷等地，他都找到流浪在外的台灣圖像。他在哪裡，台灣就在哪裡。 生活美學：文創的社會實踐 林磐聳學生時代追隨王建柱老師進行鹿港手工藝調查研究，受到王老師「以民族為本位，以時代為導向，以生活為重心」主張的感召，雖後來走向設計專業，但他深深體會文化來自生活，也為生活服務；因此他關心生活美學，如何讓美學具體落實到我們的日常生活。他對常民文化的興趣也啟動他對墨斗的收藏之路。墨斗是木匠簡易繪製直線的工具，代表傳統文化對於「規矩準繩」嚴謹、理性、科學的要求，這不僅是對於設計人別具意義，更是體現「道」與「器」合一的文化主體性。這些收藏陳列在臺師大設計系的「台灣設計口」，展示民間藝術的美，也體現了工具因使用而美的理念。 後來他接觸到「日本民藝之父」柳宗悅「日用為美」的哲學及他所推動的應用美學社會運動而大受啟發。他相信日常器物存在的美學就存在生活之中，也就是我們可以透過使用的生活器具，把蘊藏在「器」內的美學品味提煉出來，藉此提高社會大眾日常生活的品質。這種想法呼應十九世紀英國詩人兼「美術與工藝運動」(Art ＆ Craft Movement)領導人莫里斯(William Morris，1834～1896年) 所主張的美學走入生活。這位「現代設計之父」透過紡織藝術的設計改變了維多利亞時期民眾室內裝飾的風格，提高人民日常生活的品味。同時期還有英國藝術評論家兼工藝美術運動的發起人之一的羅斯金(John Ruskin，1819～1900年)，他也指出藝術與生活兩者殊途同歸的關係，並強調藝術是社會賦予每個人的文化財產。藝術不應僅限在美學上提供令人愉悅的經驗，而是應該對整體社會有更積極、更具建設性的影響。他強調藝術的社會責任，認為藝術不應只是有錢有閒階級的賞玩之物，或只是放在博物館裡展示或深藏在富豪的庫房裡。藝術美學要落實在常民生活裡，才有存在的價值。