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資深平面設計師柯鴻圖，之前投入設計教育十餘年，繼之轉型為專業畫家，堅持取材本土、自然保育的創作理念，一路走來樹立了自我的識別風貌。 最近他將作品結集出版，書名為《無為自然的藝想家：柯鴻圖繪畫作品集(五)》，採菊八開版本，全冊128頁。平裝本，外有書衣軋製開窗口，浮貼藏書票一枚。另外，特別插頁一張三摺拉頁的長幅畫作，以增加藏書的趣味性。 畫冊內容有：「台灣十二月令畫」新果鳥篇、花卉篇、莊園篇、動物篇及其他綜合作品。柯鴻圖畫作維持工筆寫實，一貫的精細描繪風格。此作品集從自然的主題，到全植物油墨印刷和綠色概念的用紙，是一本符合環保概念的圖書製作。該作品集由印聯文化事業公司出版，鴻嘉彩藝印刷印製，採用峻揚紙業公司紙張，有興趣購買者聯繫信箱E-mail:hungto@hungto.com.tw。

在平面設計上遊走了40年，後來進入了教育界誤人子弟十餘年，現在則專事藝術創作，回首來時路，慶幸有各種歷練。 在平面設計界領域裡，筆者也有多位跨足繪畫的朋友，大家各擅勝場，只是使用媒材和題材或有差異。會重回學習美術的初衷，因想圓年少時，曾立志成為藝術家的夢想罷了。現在，就先從成長之路的首站「平面設計」的心得談起吧！ 設計＆紙＆印刷的三角連動 長年從事平面設計，對於後來的繪畫創作有什麼影響呢？筆者想想，每個人的狀況不同，體會及運用融合，甚至作品的衍生運用也有所不同。在平面設計生涯裡，更深刻瞭解「紙、設計、印刷」三者相輔相成。筆者個人再分幾個層面淺談一下： 一、構圖 因為經常要作版面規劃、佈局，轉移到作畫上，除了一般畫家會強調的要點外，構圖時不自覺會保有設計的思考，例如要適度留白，使得版面有適當的呼吸空間。即使連畫中主體物的吉祥數，也會多作斟酌。 二、增進對紙張的認識 筆者有幸曾經先後任職於兩家國內紙業龍頭，一為工業用紙的正隆企業，二為文化用紙的永豐餘企業。這兩段資歷自然有助於筆者對紙張的認識，設計時選擇紙張會衡酌吸墨性、印刷適性、絲向等再作決定。絲向選擇關係製作物的捲曲度，紙張因台灣大氣濕度高。所幸，進步的廠房都有恆溫恆濕的設備了。 三、印刷時的考量 35年的實務中，經常在印刷廠，甚至製版室、製本廠、裱盒廠、加工軋製廠看品質與進度，有問題即時溝通解決。如高彩度的花果圖像，單純的YMCK不足以滿足要求，與現場印刷師傅商研解決之道，獲得令人滿意的顯色效果。不過，由於印刷專業的進步，透過水晶網點的製版技術等，同樣會有理想的表現。 四、落實環保理念 因為年輕時曾經擔任和花卉關係緊密的布花設計師，經常性的寫生訓練，也播下珍愛自然的種子。後來再進入造紙公司，配合再生紙的推動，以設計為手段打開了市場。訴求珍惜大地資源，促使筆者更進一步將自然素材運用於設計製作上面。 ●《台灣12月令畫》系列4新果鳥篇  走入繪畫創作與設計之路 筆者在轉型進入純美術領域之前，長年在平面設計中，以插畫形式表現於郵票、海報、書籍等製作物上。兩者之間差異的是：前者具有商業目的、解說、教育等功能；而後者則是追求唯美或抒發表達特定的主題，呈現的版面空間作插畫。 近十多年來，筆者參與過許多繪畫創作活動，例如個展、聯展或寫生。更早期也畫過不少郵票，並製作多本和自然素材有關的文創紙品，但從來不曾離開過繪畫，奠下的基礎有助於今日成為畫家，當創作時會有不同的思考，作畫跟著心靈感覺走，插畫上表現手法則力求忠於原物。 一、為畫作定位 (一)世間萬物不分國界萬物皆美，自然界可表現的素材很多，本土對筆者而言比較有使命感，其他的行有餘力再說吧。 (二)工筆寫實的描繪，生態表現上具有說明性的教育功能，尤其細膩寫實的手法，多少延續過去插畫經驗。 (三)中西並用，個人偏愛透明水彩的輕盈感。筆者以水彩紙為體，筆具除了大塊面用水彩排筆，一般都使用國畫用的面相、山馬、圭筆、蘭竹、長峰等，柔軟或蒼勁皆有，畫起來得心順手。完成時落款、鈐印，讓人弄不清究是西畫還是國畫？作品除了取材、技法，媒材因素，這些都形塑了畫風的識別性。 二、創作理念的堅持 堅持台灣本土、生態保育的綠色意識。畫家突顯作品的風格，如同企業文化與識別度，尤其對一位「資淺的老畫家」，不容再左顧右盼，心猿意馬。 三、表現主題的醞釀 《台灣12月令畫》是筆者蛻變為專業畫家的敲門磚，也傳達了對於這塊土地濃厚的情感。第一系列為《果鳥篇》，首輯有12幅，繼之再推出第二系列《花卉篇》。這兩個系列完成後，已將心靈視窗放大、回味至自己童年成長的鄉間田野，不再拘泥於趨近特寫的花果描繪，而開始創作了《莊園篇》，也脫離前二個系列甜美的花果表現。台灣盛產水果，種類繁多，有代表性的水果未能於第一輯全部入列，因此延續繪作《果鳥篇》第二輯，將國民水果芭樂、鳳梨、芒果、釋迦等納入，將具有代表性的本土水果盡量納進來逐一表現。 至於「保育動物」亦早在規劃之列，其中含括了屢上新聞報導的可愛動物，例如石虎、黃喉貂、穿山甲、黑熊、山羌等，以及已消失在寶島山林40年，珍貴的雲豹當然不能漏失，消化圖資之後盡力為牠留下影像，這也是一種使命感吧！ 除了上述四個「自然」系列的繪作外，也陸續畫了山水景觀，例如北海岸風景線的寫生、嘉南平原秋景、粉鳥嶺、秀姑巒溪的景點，平衡了久居畫室創作的鬱悶，心情亦為之舒暢。 四、畫中有話 希望作品非僅視覺上的美感是有意義的，因此，每幅畫作都注入故事性的內容，畫中有話。如傳達親子關係 、族群融合、和平共生⋯等意涵。藉物喻事，蘊含教育意義也是理想之一。 畫作所衍生出的附加價值 畫作和音樂創作一樣，也可以產生出更多的附加價值。以筆者個人的作品來說，有以下兩個部份，分別是畫作授權使用＆衍生性製作物。 首先，筆者畫作經常授權運用於出版圖書的插圖、教材的輔助圖片、學術研究圖例、包裝圖像等等。其次，製作物開發亦有多樣化的產品，例如月曆、週曆、札記、酒器包裝、生活瓷器、彩色玻璃、十字繡、複製畫等等。在不同材質上呈現的效果差異，適時修正是必要的。無論授權為何種品項，這些延伸出來的衍生性製作物，對畫家來說，都可成為畫作的附加價值。 善用設計之道走出自我天空 無論是擔任平面設計師或畫家，都有不同的專業挑戰和壓力。前者為商業取向，訴求客群為廣大受眾，後者為較特定的賞畫者，但兩者在現實和理想之間，如何獲得平衡，就看創作者的取捨和畫風特色了。 從平面設計師轉職畫家，放下早已駕輕就熟的經驗，轉換跑道一切得重新出發：探索市場、展覽規劃等。有之前的設計工作經驗可以為策展單位分攤點心力。誠如德國前包浩斯校長華特‧格羅佩斯(Walter Gropius)提過：「設計是所有事務的公分母」。感謝平面設計過往的訓練，同時亦可在展演企劃時有所助益。 筆者走在設計與繪畫的平行線上，善用設計之道，兩者偶爾交會、激盪、挑戰，希望能回到初心，走出自我的另一片天空。創作對設計師或畫家都是美好的享受，但是在AI的浪潮下，手繪的手感溫度仍是無可取代的，而如何創造自我價值體系，避免被淺薄、短視者邊緣化，是當前重要思考的課題。

由高雄文化設計發展協會(KCDD)所策辦的「2025有蛇有得生肖國際創意特展」，已於今年1月10～21日假高雄市文化中心至真堂三館隆重展出，共展出平面海報創作55件、立體創作28件、藝術創作24件，以及48件「有蛇有得生肖圖像設計比賽」得獎作品。此次展覽不僅匯聚來自世界各地的設計大師及各領域精采的藝術作品，更結合年輕世代的創新視角，打造一場生肖文化與藝術美學交織的視覺饗宴。 該展的一大亮點是來自國際級設計師的精彩作品，其中包括享譽國際的日本中島安貴輝及台灣游明龍、林宏澤、林國慶等知名設計大師；透過大膽的視覺語彙，以創新手法探索生肖「蛇」的文化象徵，透過色彩、線條與數位科技展現傳統與當代並存的藝術風貌，讓生肖文化煥發嶄新樣貌，展現生肖文化如何在當代設計中重塑生命力。 透過創作賦予生肖新生命力 展覽於今年1月11日舉行盛大開幕活動，現場產、官、學嘉賓雲集，包括高雄市政府青年局局長張以理、台灣形象策略聯盟主席楊夏蕙、高雄市立楠梓特殊學校校長黃國書、國立高雄師範大學校友會會長黃澤華、我在品牌設計執行長林國慶、龍達化妝品事業集團執行長林相達，以及諸多設計界、藝術界的好友蒞臨共襄盛舉。該展以2025乙巳年生肖「蛇」為核心主題，希望藉由當代設計語境，為生肖文化注入全新的視角，並透過藝術創作重新賦予生肖圖像新的生命力。 此外，該展也結合「2025有蛇有得生肖圖像設計比賽」學生得獎作品一起展出，共同探索生肖「蛇」的文化象徵與現代設計語彙，展現傳統與創新並存的視覺藝術表現。這次比賽共設立大專組、高中職組及AI組，並從眾多投稿作品中精選出每組16件、共計48件兼具文化內涵與設計能量的佳作，充分展現生肖藝術的多樣性。AI組更是一大突破，挑戰人工智慧如何透過演算法與創意結合，為生肖文化帶來全新的詮釋方式，開啟傳統藝術與科技融合的無限可能性。 「延續文化傳統、深耕與廣植文化脈絡」為此次展覽主軸，將文化意識、設計能量及藝術美學與生活結合，展現創意，為流傳千年的生肖文化內涵注入新意，並強調「生活藝術，藝術生活」的核心理念，讓生肖文化不再只是傳統符號，而是透過現代設計轉化為日常美學的一部分。參觀民眾可在展覽中欣賞來自不同文化背景的生肖詮釋，感受「蛇」如何在各種視覺語言中呈現多元轉譯。從傳統水墨筆觸到幾何抽象風格，甚至AI的運算美學，每件作品都展現出生肖文化在當代藝術中的融合與再生。另外，此次展出的海報及比賽得獎作品，除了於高雄文化中心展出外，後續另規劃於國立高雄科技大學、義守大學等校舉辦校園巡迴展，以延續展覽的推廣效益。 呈現傳統與創新交融的藝術 此次展覽是KCDD連續第四年所舉辦的生肖國際創意特展，自開幕以來，也吸引眾多設計愛好者、學生與藝術從業者前來觀賞(展覽近6,000的參觀人次，相關報導轉發及社群媒體按讚數達2萬餘次)，現場沉浸於設計大師、新銳設計師與各領域的藝術家交織出的創意風景。KCDD理事長孫政賢表示，此次展覽除了期望為設計與藝術相關科系的學生提供發揮創意的平台，並藉由與設計界、藝術界的作品共同展出來相互交流激盪，更希望透過公部門及地方文化的協力合作，讓生肖文化持續在當代設計中以新的視角下持續進化。 孫理事長接著強調，生肖不僅是民俗傳統，更是藝術創作的豐富題材，希望透過展覽讓學生更深刻理解生肖文化的涵義，並鼓勵年輕設計師勇於創新，一同探索生肖文化如何透過當代設計語境煥發新生命，呈現出傳統與創新交融出更具時代感的視覺藝術表現，也讓傳統文化有機會走向國際設計舞台。本文礙於版幅，僅刊錄54件平面海報創作、部分立體創作及藝術創作，總計共71件作品提供讀者欣賞。 高雄文化設計協會 07-7247343 E-mail:kcdd.mail@gmail.com

從一個想法，走向世界舞台；設計，是這個時代的語言，也是跨文化的對話。自2008年起辦理的臺灣國際學生創意設計大賽(Taiwan International Student Design Competition，簡稱TISDC)，走過十七屆，不僅已是全球參賽規模最大的學生設計賽事，更成為串聯世界青年創意與觀點的重要平台。這項由教育部高等教育司主辦的國際賽事，每年以公平公開的制度、具全球視野的評審陣容，以及不斷深化的設計教育實踐，努力打造一個屬於青年設計師的共創舞台。 競賽主題：多樣性與全球永續發展 本屆競賽的主題為「Diversity╱ 多樣化」，響應聯合國「全球永續發展目標」(Sustainable Development Goals, SDGs)，強調尊重與包容，融合多元文化，激發創新，促進合作，打造共融社會。多樣性不僅是全球發展的關鍵，更是創意設計的重要養分。鼓勵學生運用設計的力量，展現世界的豐富性，共創可持續的未來。 競賽類別擴增：拓展設計視野 隨著產業與社會對設計角色的期待越來越多元，在2023年TISDC頒獎典禮上，時任教育部高等教育司朱俊彰司長及立法委員吳思瑤委員共同宣布TISDC未來將擴增競賽類別，成為更多元的非營利國際學生創意設計競賽。至此，TISDC在2025年正式擴增設計競賽類別，除了原有的「產品設計」、「視覺設計」、「數位動畫」三類，新增「建築與景觀設計類」與「時尚設計類」，總競賽類別增至五大類，使整體競賽面向更趨完整，提供更多設計領域學子參與，展現多元創意。「建築與景觀設計類」涵蓋建築空間規劃、景觀與城市環境等相關設計領域，強調空間機能、環境永續與社會人文之間的融合；而「時尚設計類」則針對服裝設計、配件、材料創新與時尚敘事進行評比，呼應當代對自我認同與文化展現的關注。此次類別的擴增，反映設計產業的變遷與教育發展的趨勢，讓學生能夠從不同角度切入議題，拓展創作的多元性與深度。 2025年TISDC的五大競賽類別 ●產品設計類(Product Design) ●視覺設計類(Visual Design) ●數位動畫類(Digital Animation) ●建築與景觀設計類(Architecture ＆ Landscape Design) ●時尚設計類(Fashion Design) ※本競賽開放全球各高中職、大專院校(含研究生)具正式學籍的學生參加，所有作品需為個人或團隊原創，並符合競賽主題與規範。 國際專業雲集：多元的設計視野 為了讓臺灣的設計能夠在全球舞台上獲得更多關注，TISDC自創辦以來，一直致力於提升臺灣設計的國際曝光度。設計的力量不僅來自創意本身，還來自於與其他國家的專業設計圈建立聯繫。TISDC每年邀請來自世界各地的設計專業人士擔任評審，並與國際設計組織合作，設立授權的特別獎項，為參賽者提供更多展示自己創意和才華的機會，讓參賽作品能夠在更大的國際舞台上嶄露頭角。 2024年，TISDC的評審陣容涵蓋來自全球各地的設計領域專家，共有91位初選評審、27位決選評審及21位特別獎評審，來自臺灣、比利時、拉脫維亞、迦納、希臘、日本、泰國、馬來西亞、美國等多個國家。這些評審來自不同的文化背景和設計領域，能夠以多元的視角進行評選，為競賽注入豐富的國際視野和專業評析，確保競賽的公正性與專業性，也提高了參賽作品的國際價值。 此外，TISDC也邀請全球知名的設計組織授權設立「國際設計組織特別獎」，讓參賽者的創意突破臺灣的界限，在國際設計界獲得更多的關注與認可。2024年，TISDC與21個國際設計組織合作，包括紐約藝術指導協會年度獎(ADC)、歐洲設計協會(BEDA)、泰國創意經濟局(CEA)、中華民國工業設計協會(CIDA)、印度工業聯合會(CII)、科羅拉多國際海報邀請展(CIIPE)、國際藝術設計院校聯盟(Cumulus)、新加坡設計業總商會(DBCS)、香港設計及創意產業總會(FHKDCI)、澳大利亞優秀設計協會(GDA)、德國國家設計委員會(GDC)、印尼設計發展中心(IDDC)、墨西哥國際海報雙年展協會(IPBM)、日本平面設計師協會(JAGDA)、日本設計振興會(JDP)、韓國現代設計協會(KECD)、澳門設計師協會(MDA)、馬來西亞設計檔案館(MDA)、泛非洲設計協會(PADI)、亞洲設計連(tDA Asia)、世界設計組織(WDO)等，為競賽增添了更多的國際影響力及形象力，使得獲獎作品能夠得到更多的展示機會，實現「從臺灣走向世界」的遠大目標。 競賽數據回顧：規模與熱度攀升 2015年起TISDC重新擬定長期且階段性的發展目標，期望未來能夠更加穩定地在國際中發展，讓更多人認識臺灣國際學生創意設計大賽。自2016年起，提升競賽規模，報名件數更是驚人的增長，並趨向穩定化，代表TISDC在國際間的知名度與認同持續提升。2024年共有三個競賽類別(產品設計、視覺設計、數位動畫)向世界各地的學生徵件，吸引來自64個國家或地區、1,138所學校報名參加，最終徵得19,667件作品參賽。這不只是參與數據的驚人增長，參賽作品涵蓋產品創新、視覺設計語言、動畫敘事技術、社會議題關注、環境永續等不同面向，內容既有技術表現也兼具社會關懷，充分展現當代設計教育多樣性與創造力。經過2024年8月21日至27日為期7天的線上初選，最終遴選出567件入圍作品，涵蓋來自臺灣、新加坡、日本、韓國、印度、美國、芬蘭等33個國家設計新秀。並於去年10月8日在臺北松山文化園區多功能展演廳舉辦的實體決選，評審團們熱烈討論與票選，最終選出90件獲獎作品。獲獎率僅0.5%，顯示競賽水準之高，亦突顯TISDC在全球設計競賽的公信力與權威性。臺灣學生表現優異，不僅勇奪賽事最高榮譽「年度大獎」，更一手包辦「產品設計類」與「數位動畫類」的金獎與銀獎，共43件臺灣作品獲獎項肯定，展現臺灣學子傑出的設計實力。 跨域合作：擴展設計領域的界限 TISDC除了提供學生公平競爭的國際競賽平台，也積極與社會企業及地方政府合作，擴展競賽的範圍與影響力。透過與贊助單位的合作，提供更多獲獎與曝光機會，2024年由財團法人看見台灣基金會、財團法人溫世仁文教基金會共同贊助「國際設計組織特別獎」；財團法人電路板環境公益基金會的支持，倡議改善環境永續發展設立「環境永續獎」與「特別地區獎」，同時也與地方政府合作，由嘉義市政府文化局設立「嘉義市特別獎」，攜手讓TISDC塑造成為一個具有跨領域設計與具備國際化設計視野的競賽平台，推動更多具有社會價值與文化意涵的設計作品。 設計教育延伸：跨域知識的實踐 TISDC不僅僅是競賽，更是一個設計知識共享與實踐的平台。自2016年起，TISDC便在賽事期間舉辦「新亞洲設計工作坊」，透過跨校跨域合作，推動設計知識的交流與應用。2024年，工作坊以「EQUALITY／平等」為主題，邀請來自新加坡Creativeans的葉金明(Kimming Yap)營運總監、來自香港陳永基設計有限公司的陳永基(Leslie Chan)創辦人、來自日本Pioneer Production的小幡公春(Kimiharu Obata)代表，共三位國際講師於臺中亞洲大學展開兩日密集的設計工作坊，從議題發想、概念整合到設計呈現，全面激發設計潛能。最終成果展不僅展示創意原型，也讓學生在設計過程中學會合作、理解與再詮釋社會議題。 此外，更在2024年5月17日辦理「國際設計大師系列講座」，邀請三位知名設計師分享其設計經驗，激發對設計、藝術相關領域有所興趣的聽眾們的想像與創意思考。同年10月9日特別邀請21位國際設計組織代表與1位業界知名臺灣設計師走入臺灣北中南10所設計大專校院，包含：國立臺灣科技大學、銘傳大學、明志科技大學、大同大學、東南科技大學、國立臺灣師範大學、復興高級商工職業學校、亞洲大學、國立嘉義高級中學、國立嘉義高級商業職業學校等等，除了進行校園巡講，也與師生們相互交流，傳遞設計現場的最新動態與思維，擴展學生對設計職涯的理解與想像。 交流與傳承：世代設計人對話場域 設計不只是創作，也是一種傳遞與傳承。為了讓獲獎學生們的作品能夠更直接地獲得業界設計師們的回饋，於2024年11月29日辦理「獲獎學生交流會」，邀請國內外得獎者與來自產業界的三類評審代表以及21個國際設計組織代表們對話。這場交流會聚焦於創作者們的創作歷程分享、業界設計師們的經驗，為學生提供實質且真誠的回饋。讓設計新秀能直接與業界人士對話，也讓業界重新認識青年設計者的能量與視野。 報名機制透明，參賽零門檻 為了鼓勵更多學生參與創作與投稿，TISDC「免報名費」、「線上報名」等制度，讓任何背景的學生都能無壓力參與競賽。不論來自哪個國家、不論是否具備專業器材，只要具備創意與設計構想，便可以透過TISDC平台呈現自我。這樣的機制不僅降低參賽門檻，更鼓勵設計教育的普及與推廣，讓更多年輕人願意走上設計創作的道路。每年提供的獎金，也為獲獎學生提供實質鼓勵與後續發展的可能資源。 結語：設計教育的全球舞台 當設計與社會發展、產業需求、文化關懷交織在一起，TISDC便成為連結這些面向的重要橋樑。從比賽制度、國際合作、教育推廣到產學交流，TISDC逐步形塑出一個具深度與廣度的設計教育場域。 設計不只是解決問題，更是一種提出觀點的方式。2025年，讓我們再次見證學生如何用創意回應世界，也邀請更多設計相關科系師生，一同參與這場跨文化、跨領域、跨世代的創意盛會。

這款手工限量葡萄酒包裝被設計為一件設計物件，在其中形態、概念與內容融為一體。內含 3 公升 Primitivo 葡萄酒，直接從義大利取得。它並非作為慶祝道具，而是創意過程的一部分。 這個專案源於將 2D 圖示轉化為真實、具體物件的想法。起點是一件先前設計的帽T，上面有 Tetrapak 標誌，而這一次則被轉譯為三維、可觸的形式。 此專案旨在感謝那些共同創作的客戶與合作夥伴，同時也反映出一種信念：創意與工藝能將簡單、日常的物件昇華為更特殊的體驗。   內容來源: https://packagingoftheworld.com/

有故事的人：吟詩的設計師 會說故事的人不多，有故事的人更少；會說故事本身又有故事的人，那就更是稀少了。林磐聳就是這樣一個少之又少的人。他被譽為「台灣設計界導師」，但卻是個很難被定於一格的人，因為他身上兼容並蓄，有著太多精采的故事。 ●(左)在中正紀念堂一樓第二、三展覽廳盛大展出的「就是愛，台灣：2025林磐聳台灣意象展」 ●(右)筆者莊坤良(左)與林磐聳合影於「就是愛，台灣」展覽現場   林磐聳給人的第一印象是：大氣、豪爽、真誠，能文能武、大開大闔、有勇有謀，極具人格魅力。他來自學院，但有著業界的經驗。能談理論，也有實踐能力。他受過傳統美術訓練，但在創意開發的設計領域大放異彩。酷愛旅行，走遍大江南北和世界各地。有著豐富的國際交流經驗，但更關心在地文化的發展。他的點子多，創意源源不絕。交遊廣闊，國內外人脈豐富，任何聚會，有他在場，總是談笑風生，趣味橫生。他渾身散發一股磁力，吸引大家親近，真是個天生的領袖人物。(見圖1～3) ●圖1(左)：2001～2003年林磐聳(右5)在南非約翰尼斯堡舉行的ICOGRADA國際平面設計社團組織會員大會獲選為ICOGRADA理事會九位成員之一 ●圖2(右)：2004年林磐聳(後排右2)邀請tDA亞洲設計聯盟成員參與東方技術學院主辦的「國際華文設計週」活動，展現其交遊廣闊與國外設計人脈 ●圖3：林磐聳自2006年為教育部啟動「設計戰國策：鼓勵學生參加藝術與設計類國際競賽計畫」   生長在屏東東港，從小看海長大，總是瞻望前方，具強烈的冒險精神，他帶著開創新局的企圖心，十足的海洋性格。回顧一生的成長，他說自己從大海學到如何面對困頓，也從中提煉出一套包容與分享的處世哲學。大武山下的屏東子民，對山也有一份特殊的感情。他的創作從雲霧嬝繞的大武山裡得到靈感，一系列的〈夢的島嶼〉和〈大山無價〉創作，總帶著大武山高拔挺立或飄渺在雲際的影子。山與海構成了他創作台灣故鄉最堅實的主題，他也在創作中展現出這份最純粹的鄉土情懷。 東港緊鄰台灣海峽，自清以來即有福建移民來此定居。居民傳統以捕漁為業，近年以捕撈黑鮪魚出名，但東港最為人熟知的文化慶典，當屬每三年一科的迎王平安祭典燒王船。林磐聳雖為高等學府的知識份子，但從小就接受王船的常民文化薰陶，因此對傳統文化也有一份近乎本能的喜愛，更把這份愛轉化為無盡的創作靈感。故鄉的風土人情是融入個人血肉的文化元素，而影響他藝術生涯更關鍵的是他的家庭教育。他生長在一個藝術的家庭，父親林慶雲是台灣早期傑出的攝影家之一，畫面構圖的藝術經營、光線的明暗對比、主題的選擇與個人情感的投入，這些基礎的美學元素，早在日常家居的生活裡就已經紮根。此外，他父親也是古典音樂的愛好者，早年在東港鄉下小鎮，聆聽巴哈、莫札特、貝多芬、蕭邦，恐怕也是鳳毛麟角的雅好。林磐聳受此影響，他對藝術設計的營造，也總能從音樂的流動中得到啟發。從具體物象到美術設計，從音韻感受到抽象思維，這種得天獨厚的家庭教養，讓他得以在音樂與攝影的沃土上成長。(見圖4、5) ●圖4(左)：林磐聳的父親是台灣前輩攝影家，其作品為國立台灣美術館、臺北市立美術館、高雄市立美術館、創價美術館典藏  ●圖5(右)：2018年創價美術館出版《時代的眼睛，故鄉的印記：林慶雲、林文彥、林磐聳父子三人聯展》專輯封面 這樣的生長環境可遇不可求，特別值得一提的是，他在高中時期遇到留日的美術老師莊世和，莊老師深受日本當時前衛藝術風潮的影響，在傳統為主的美術教育中獨樹一格，因此林磐聳的藝術啟蒙比別人還早，也早早開啟了接收藝術新風潮的信念。後來進入臺灣師大美術系，向國內一時之選的水墨、西畫、設計等藝術教授群學藝；從古典到現代，從實務到理論，他在臺師大受到諸多名師的啟蒙與薰陶，蔚然成為一位傑出的藝術青年。特別是他深受王建柱老師在設計思維與實踐的影響，引導他日後走上設計專業的道路。遇到好老師是他的幸運，但青出於藍則是他的努力與本事。 林磐聳喜歡閱讀與思考，閱讀讓我們與這時代無緣見面的人相遇，擴展我們生命領域，讓我們得以與遠方的作者進行知性的邂逅，啟迪思想。閱讀也是一種文字與思想的旅行，許多的創意也來自我們與陌生的作者所進行的心靈交流。他是設計界的文案高手，中文素養佳，思想活潑，這與他優秀的閱讀與寫作能力有關。他具詩人氣質，想像力豐富，情感細膩，賦詩寫作，信手捻來，多是佳作。例如，他與朋友唱和的小詩：「人生行旅已匆匆，藝友同游且從容，試問知己幾日紅？猶見門前一青松」。這是有情人談友情，相知相惜，盡在不言中。短詩讀來盡顯唐宋詩詞情懷，頗具古風趣味。他也為在九份黃金博物館駐村藝術家好友楊恩生來首亦莊亦諧的打油詩：「一人獨坐追時光，七旬已近莫輕狂；三五好友情難忘，九份黃金顯光芒」。玩玩數字遊戲，也帶出對朋友的真情。林磐聳曾經賦詩〈人到中年〉：「雙十潛沈藝中行，奮而立志摘星斗，江湖風雨心不惑，毀譽參半百折競；試問解甲子心境，七零八落看晚晴，九九夢迴停看聽，一如清風拂明鏡」。這些看似隨手而成的詩作，其實處處顯見巧思。 大學畢業後留在台北工作，28歲即出版通行兩岸、設計科系學生人手一冊的《CIS企業識別系統》專書，真是出名要趁早。之後與大學同學共同創業，成立登泰設計顧問公司，承接兩岸企業形象識別系統規劃設計，投入真槍實彈的設計實務。累積諸多實務經驗後，再返回臺師大母校擔任美術系教職，先後擔任美術系主任、視覺設計系主任與副校長，展現其行政長才。後來因緣際會搭上兩岸開放交流與國際化風潮的列車，他積極參與國際與兩岸設計社群並且獲獎無數，ICOGRADA國際平面設計社團協會分別於2002年和2011年，先後兩次頒發「傑出成就獎」和「設計教育貢獻獎」給林磐聳。這是他個人的成就，也是整體台灣設計界的榮譽。(見圖6、7) ●圖6：1985年林磐聳於空軍預官服役在藍天藝工隊期間，編著由藝風堂出版的《CIS/企業識別系統》  ●圖7：林磐聳分別於2002年和2011年兩次榮獲ICOGRADA國際平面設計社團協會頒發「傑出成就獎」和「設計教育貢獻獎」 他以設計作為一生的志業，長年畫著台灣，把台灣島嶼當作自己的個人符號，台灣故鄉的風土人情和歷史文化就成了他創意的源頭。多年來他持續以台灣印象、形象和意象展開系列創作，無數經典的作品在他的精心繪製之下相繼問世。綜觀之，他這一路走來，雖有顛簸起伏，但也開創大局，除了個人成就外，更成功地把台灣意象推向國際舞台。 班雅明(Walter Benjamin，1892～1940年)說：「講故事的人總是最敏銳地察覺過去在當下留下的痕跡。它們不是單純的想像產物，而是生活經驗的結晶。正因為如此，它們對聽者產生如此深刻的影響」。林磐聳的人生閱歷就是一則又一則精采的故事。他對事物的觀察評論，具有強烈的歷史感，對自己的志業，具有濃郁的使命感，因此總能從過往的故事中發現新的啟示。他的視野廣，觀察深，遇事總能撥雲見物，看見事物背後的本質因素。他的言語活潑，論述具有清晰的結構，同時善喻風趣，說起故事總是帶著感情而別具說服力。因此，其作品總能貼近人心，別具感染力易於引發大眾共鳴。有思想，有感情，有行動，他是國內最具影響力的設計師之一。 林磐聳身上有著強烈的設計師特質：「敏於時事，善於思考，勇於表現，樂於分享」。作品本身就會說話，他用平面海報設計說台灣的故事，他用景觀造型公共藝術說鄉土認同的故事，他用海內外撿來的石頭說台灣的心情故事，他持續從海外寄回明信片的家書，是心向台灣的具體行動藝術，他以作品與社會大眾溝通。透過展覽舉辦，我們一起來聆聽他的故事，細賞他的創作。

台灣海報：漂泊與情牽 這次的展覽的主題是台灣之愛，英文標題是“Simply Love/Taiwan”，給人單純為了愛，為了台灣，為了愛台灣的聯想。英文的Simply指不帶任何條件，只是單純本能的愛自己的故鄉，這句話總結了林磐聳設計生涯的主要關懷。整個展覽分為六個主題：(1)台灣形象識別設計；(2)台灣印象海報設計；(3)台灣意象藝術作品；(4)藝術與設計策展；(5)公共藝術；(6)文創商品，這六類的創作其實都環繞在台灣之愛這個母題之上。 出生在屏東東港，就註定永遠是台灣的孩子。我們出生的地方是我們的第一故鄉，也是永遠的故鄉，不論你離開去了哪裡，一旦被問起來你是哪裡人，自己生長的地方總是第一個脫口而出的字詞。這是一種本能、純淨的感情，無法被替代。林磐聳眷念故鄉，因為故鄉裡有最珍貴的親情、友情和最熟悉的風土民情、最對味的飲食水果和最深層的生命認同。高中畢業離開故鄉後，故鄉就成了思念的對象，後來長年為生活奔波，總覺得江湖太近，故鄉太遠。魂牽夢縈，只能在精神上不斷返回原鄉，維繫個人的心理寄託。 雖然高中後就到台北讀書與工作，但他的第一張台灣意象作品就是繪製東港老家書房的一盆黃金葛開始。老家給了他無盡的創作養分，從黃金葛到蝴蝶蘭到台灣的山巒，他依序展開繪製台灣印象、意象和形象的系列創作。經過多年的努力，他成功把台灣當作自己「設計思考」(Design Thinking)的對象，進而把它轉換成一個文化圖騰。台灣圖型成為了他的註冊商標，隨著他的腳步行走天涯，在國際設計界的舞台上發光發亮。 故鄉滋養了遊子，他也沒有忘本，在他功成名就之後，也不時回饋自己的家鄉。他引進國際資源，把國際知名的日本設計師福田繁雄的東港黑鮪魚作品，安置在東港大鵬灣國家風景區成為旅客打卡的地標。他也為屏東潮州的台灣鐵道文化園區，設計一個象徵連通全島、永續發展的台灣造型大型公共藝術，點亮了故鄉屏東的藝術氣息。 從平面設計出發，林磐聳一系列有關台灣的海報設計最為人津津樂道。台灣的政治地位特殊，雖是經濟強國，但在國際舞台上受制於各方力量，總不免有風雨飄搖的危機感。他常搭飛機來往世界各地途中，對台灣在國際與兩岸的艱難地位感受特別深刻。有一次他在萬里高空上看到窗外藍天裡的片片白雲飄過深深有感，他的招牌海報〈漂泊的台灣〉於此誕生。台灣島嶼圖像就像窗外那些無根漂泊的白雲，雖然浪漫美麗，但也隱含了高度的焦慮危機。我們習慣說要從台灣看世界，更要從世界看台灣。但他從空中看台灣的視角，跳脫二元對立的思維，以更高的緯度來審視台灣故鄉。這件作品直擊每個台灣人的心靈，引起了高度共鳴。一件好的作品不應只是經營美好的構圖或色彩，它應該要引起觀者心靈的共鳴。雨果曾說：「世界上最寬闊的東西是海洋，比海洋更寬闊的是天空，而比天空更寬闊的是人的心靈」。林磐聳的作品觸及人心，引發普世人民的心靈共振。(見圖8、9) ●圖8(左)：1993年林磐聳創作了他自稱是個人最具代表性的海報作品〈漂泊的台灣〉 ●圖9(右)：1999年林磐聳撰述出版《設計觀點：一個設計人的思考與觀點》  無根的雲朵在空中漂蕩，這當然也讓我們連想到諾貝爾文學獎得主，也是美國民謠歌手巴布狄倫(Bob Dylan，1941年～)那首撼動人心的“Blowing in the Wind”：How many roads must a man walk down. Before they call him a man. How many seas must a white dove sail. Before she sleeps in the sand. How many times must the cannon balls fly. Before they’re forever banned. The answer, my friend, is blowing in the wind. The answer is blowing in the wind. 和平是普世人民的共同期待，但是砲火喧天的亂世，和平卻又如此遙遠，一個人要走多少的路程，才能壯大？要等待多少砲擊，才會停火？和平鴿要飛多遠，才能安全停息？一連串的叩問，沒有人可以給我們答案，答案只在風中飄盪。林磐聳這幅作品也傳達同樣的憂思。 詩人余光中也在他的詩作〈江湖上〉，挪用Bob Dylan的歌，他省思兩岸家園，喟嘆：一個島，算不算你的家？一眨眼，算不算少年？一輩子，算不算永遠？答案啊，在茫茫的風裡。他同樣沒有答案，亂世人民的無奈，也如風中飄盪的流雲。同樣，華語歌壇影響力頗大的歌手羅大佑，也呼應台灣名作家吳濁流的小說〈亞細亞的孤兒〉，創作同名的歌曲，比喻退出聯合國的台灣是「亞細亞的孤兒在風中哭泣，沒有人要和你玩平等的遊戲」，他質問「多少人的眼淚在無言中抹去，親愛的母親這是什麼道理」？他也延續Blowing in the Wind的控訴基調，在風中哭泣的孤兒，會是一種怎樣的悲情？ 林磐聳這幅作品裡漂泊的台灣圖像和Bob Dylan、余光中和羅大佑的詩歌，有著異曲同工之妙，同樣關懷台灣家園，同樣的憂思，引發共鳴。西諺說：“A picture is worth a thousand words”，千言萬語不如一張圖。藝術家從海外從空中，遠距離反觀台灣故鄉，反而看得更清楚，憂心也更強烈。這張作品看似簡單，但卻也明明白白說出多數台灣人的心情，誠為經典之作！ 這一系列的台灣海報還包括〈環保內服藥〉，借用現成的藥袋來檢視生病的美麗島；這個乾坤大挪移的「掉包」，巧妙表現出一種「重複的差異」(Repetition with A Difference)技法，以大家所熟知的物件，表達了一種全新的體驗，收到訊息傳達的效果。〈渡臺悲歌〉則以宗教符紙的造型，重述「唐山過台灣，心肝結歸丸」的台灣移民歷史。文句中多是警語，勸阻漳泉民眾勿輕易渡台，因台灣是蠻荒之地，宛如鬼門關。但這就是台灣先民不怕死求生存的精神，台灣人骨子裡都流淌著這樣的移民性格和和冒險打拼的基因。台灣島是夢土，是醞釀夢想的地方，也是希望之所繫。(見圖10、11) ●圖10(左)：1994年〈環保內服藥〉借用現成的藥袋來檢視生病的美麗島，是借用1920年代蔣渭水創辦「台灣文化協會」時為當年台灣社會開出的診斷報告書；林磐聳巧妙表現出一種「重複的差異」形式，以大家熟知的物件表達出一種全新的體驗，不僅收到訊息傳達的效果，也藉此對於台灣社會的嚴肅警告 ●圖11(右)：1992年〈渡臺悲歌〉是林磐聳閱讀清朝時期閩粵地區客家人，經由客頭(帶頭人)誘拐偷渡來台，最後落得「千人人去無人轉，知生知死都是難」的下場，同時反思1990年代初期中國許多「閩平漁」號的漁船偷渡客所發生的不幸事件 2019年他在故鄉屏東美術館與日本瀨戶內市立美術館展覽的海報作品〈夢的島嶼〉，重組英文“Taiwan island is the land of dream”的創意發想，把“island”分拆為“is land(of dream)”的文字拆解遊戲，轉移到台灣島嶼的呈現方式，於是有了層層點描的百岳山巒從南到北，依序展開連成一個整體的台灣圖像，這種部分與整體的辯證關係，所有山巒既分別獨立，但又相互連結成一體，為我們提供一個全新觀看台灣的視覺效果妙不可言，只能佩服他的創意。有別於上圖的橫向表現，2020年〈故鄉×故事〉則採取縱向的呈現，兩幅對比，彰顯不同的趣味。這裡林磐聳轉向玩弄中文字的排列組合趣味，把故鄉和故事以「古」字串接，隱喻「君自故鄉來，應知故鄉事」的鄉情與鄉愁。台灣的山岳以垂直切割的形狀，並排連結在一起，帶著幾分立體主義的表現趣味。

林磐聳的設計思考也從關懷故鄉的過去與未來，擴展到他對地球環保生態、人類命運與世界和平的普世價值。例如，〈生命LIFE〉這張海報也玩弄英文字母的排列組合，把F和E兩個字母利用紅十字連結起來隱射生命可貴，需要我們包容呵護和珍惜。〈PEACE〉也是另一個精彩的例子。他把置中的A字延伸成一條通往和平的道路。三角構圖，簡單明白，掌握了設計美學大道至簡的精髓。(見圖12、13) ●圖12(左)：1998年〈生命LIFE〉海報他極為巧妙地將英文字加以排列組合，把F和E兩個字母用紅十字連結起來隱射生命可貴 ●圖13(右)：林磐聳於2000年創作的〈PEACE〉海報，他以大中至正的構圖將A字延伸成一條通往和平的道路   〈地球的呼喚〉則以燃燒的火柴棒頭隱喻地球，也是一種借代(Synecdoche)的修辭手法，林磐聳將之與橫向文字組成一個十字架，更傳達了地球在燃燒，需要你我的救贖，這種弦外之音讓他的設計增添了更多的人文思考。〈生命之翼〉則是回應南亞海嘯的作品，大自然的天災捲走數十萬人的生命，他以代表海上遭難死亡的十字架逐漸升空成為和平鴿，來表達亡靈得到撫慰與最終的自由。而〈一帆風順〉則是另一個經典的傑作。海上航行的風帆，以「帆」字中的一點構思，露出地平線的風帆，強化了點與面的張力，反成整幅作品的焦點，完美呈現「一帆風順」這句成語的精華，真是神來之筆。 這一系列的台灣海報，從有形到無形，從物質到心靈，從鄉土到世界，從個人到普世價值，彰顯林磐聳的設計思考，以及他的格局與胸懷。林磐聳不只是台灣設計師，也是世界的設計師。 台灣家書：深情的溫度 本次展覽裡的「台灣家書」明信片系列是一項很特別的作品，展覽以懸吊裝置方式展出1,080張林磐聳親手繪製從世界各地郵寄回台灣的明信片，另外在展櫃之中也展出120幅明信片。林磐聳有著很豐富的海外旅行經驗，人性使然，我們在家時常思念著遠方的邂逅，但旅行在外時卻又特別念家、戀家、護家。有感於旅行當下的許多奇思妙想和時空感受，常因時間久了就被遺忘了殊為可惜。他受到德國「卡塞爾文件展」(Kassel Documenta)的啟發，於是從2007年開始啟動一個「台灣家書」的計畫，他以明信片創作記錄當下的心情故事或文化觀察，並從世界各地郵寄明信片回台灣；因為明信片上的郵票有郵戳的印記，也就同時具有真實「時間、空間、人間」的紀錄。他的第一封信也是從故鄉東港寄給台北的自己，以故鄉作為起點格外具有意義。這個計畫到今天依然還在持續進行，目前總計有超過三千多張實際郵寄的台灣家書，這是一個不可思議的里程碑數目，展現他走過的路，經歷的事以及令人佩服的毅力。持續寫信寄回台灣，正是他對台灣家鄉永遠的愛戀。筆者多年前也曾收到他從海外寄回來的明信片而深受感動，因為握在手上的溫度，遠非一張虛擬的數位明信片所能比擬。(見圖14、15) (由左到右) ●圖14：2007年林磐聳首件「台灣家書」明信片即是寄自故鄉東港寄給台北的自己 ●圖15：2007年林磐聳的妻女移居美國馬里蘭，他多次往返兩地而展開「台灣家書」創作概念 ●圖16：2007年寄自美國紐約聯合國總部的明信片，指紋形狀的台灣圖騰，意在言外地希望台灣應該要有自己的認同和自己的身分Identity ●圖17：2022年林磐聳在美國西墨西哥州聖塔菲藝術小鎮參觀Freeman Gallery自由人畫廊，看見畫廊戶外的雕塑有感，他巧妙地將雙手抱腿的人形繪製成台灣造型，並將小小的台灣藏在胸口靠近心臟的地方   明信片是一種時光的文件，它可以記錄書寫人對當下生活的感受。林磐聳認為一張明信片作品就像一個生命的切片，真實記錄個人生命行旅的經歷與感悟，這些作品的積累也象徵個人生命與時代生活的交集。這批大量明信片作品就像史料的收集，可以不斷積累出具有深度與廣度的文化風貌。他旅行在外隨身攜帶鋼筆、墨水筆與空白明信片。有時也就地取材就用飯店的便條紙或是觀光地圖當作底紙，由於便條紙和地圖之上的城市和飯店地址與名稱，增加了文件的歷史性意義。現在這個「台灣家書」的規模已經從量變到質變，觀者可以從這些由世界各地郵寄回來給台灣的作品裡，看見域外世界的風情變化，以及一位傑出藝術家的心靈寫照。例如，他在紐約的聯合國總部，一個台灣被排除在外的世界組織，令他感觸特別深，他畫指紋形狀的台灣圖騰，意在言外地希望台灣在此也有自己的認同和自己的身分。他在新墨西哥州的聖塔菲參觀歐姬芙美術館，也在「自由人藝廊」(Freeman Gallery)看見一尊母親雙手抱膝，狀似蹲坐的公共藝術雕像。他以此作畫，但巧妙把台灣藏在母親胸口最靠近心臟的地方，彷彿在訴說不被國際社會接受的台灣，仍是母親最疼的孩子，他也有權利做一個「自由人」。理解他在明信片裡所蘊藏的創作理念與藝術手法，更是令人感動不已。(見圖16、17) 他去過太多的地方，留下許多不可磨滅的記憶，但這些走過的足跡一一化作一張一張的台灣家書，向故鄉報告自己在外所見所聞所思所想。他去俄羅斯的聖彼得堡，就用飯店提供的市區地圖作畫，把台灣畫在內瓦河畔的列賓美術學院之上，象徵向美院的藝術大師致敬，也同時有台灣插旗藝術殿堂的豪氣。他去耶路撒冷橄欖園，在明信片上題字「老幹新枝」，象徵基督的死亡與再生，並為新舊並存，傳統與現代共生的生命狀態多所啟發。他去參加東京的WDO設計大展，也把大會的名稱融入台灣圖像，述說台灣並沒有缺席，台灣還是大會注目的焦點。佛教是台灣最大的宗教團體，他去了佛教的國度泰國的清邁，明信片裡台灣與佛教徒的形象合而為一，展現出泰國與台灣同樣具有慈悲為懷的人道精神。(見圖18～22) (由左到右) ●圖18：2016年林磐聳在俄羅斯的St. Peterburg聖彼得堡旅遊，沿著河走過的路徑在飯店所提供的地圖上繪製出了台灣島嶼 ●圖19：2023年林磐聳參觀以色列耶路撒冷橄欖園所繪製的明信片題名〈老幹新枝〉，象徵基督的死亡與再生，並為新舊並存，傳統與現代共生的生命狀態多所啟發 ●圖20：2020年中華民國美術設計協會及大計文化於台北西門紅樓舉辦《台灣百年視覺設計》套書出版，特別繪製明信片紀念這個台灣設計史上具有歷史意義的日子 ●圖21：2023年為創價美術館策畫「世紀的容顏：台灣百年美術設計發展暨文獻展」  ●圖22：2023年電視媒體報導故鄉屏東東港捕獲大量黑鮪魚，林磐聳特別繪製明信片紀念 隨著他的腳步，他把台灣帶往世界，並把世界的見聞與感觸寄回台灣，開啟了一種屬於他愛台灣的方式。他的台灣家書代表一種軟性的力量，一種雙向改變的力量，台灣和世界在他的書信裡找到了相互依存的關係。台灣不是一座孤島，雖然四面環海，但在文化上、在地殼岩盤下，台灣仍和世界各地緊密堅實地連著一起。一張小小的明信片具體而微地展現了台灣與世界的連結。看著本次展出千餘張明信片，想像其背後所代表的地理足跡與人文藝術的情懷，這是政治力量所沒辦法到達的文化高度。某次和他一起喝茶、閒談，他笑說現在出國最大的焦慮，就是怕找不到郵筒寄明信片。在世界的角落，他心中念著的還是台灣。 台灣練習曲：只有堅持，沒有捷徑   林磐聳平常以A4、A3尺寸繪製「我的台灣，看見心靈的故鄉」後來更名為〈台灣練習曲〉，本次展出將近百幅系列創作，這一系列的作品奠定他以台灣圖案作為載體的精彩創作。系列作品取名靈感是來自音樂的「練習曲」(Étude)，因為他在高中到大學時期彈奏古典吉他，深諳「練習曲」的重要性，所以對於自己的藝術創作也是採取「練習曲」的日常修行方式來進行。因為不同的樂器，如鋼琴、小提琴或長笛，都有其練習曲。它是一種音樂作品用來作針對性地練習，目的在提供音樂家熟悉各種演奏技巧並提高詮釋作品的能力。這種類似基本功的練習，必須透過不斷的練習，方可以從基本技巧發展到相當難度的表現，其本身展現的藝術性和創意表現也不可輕易視之。

2005年春節，林磐聳返回東港老家看見父親書房中的黃金葛，綠意盎然而充滿生命力。這盆栽展現經歷大武山落山風洗禮後的堅韌，還有東港海洋風鹹濕味道的孕育，養成一盆翠綠的生命象徵。他當天便以此為對象畫了第一張台灣島嶼造型的練習曲。他巧手妙思將那些層層疊疊看似無序的葛藤，加以藝術化處理後，整出一個翠綠的台灣形象，這個模式也確定了他以台灣造型作為載體的創作風格。以老家盆栽作為描繪的對象，以家鄉作為出發點別具意義。他彷彿找到創作的源頭，此後源源不斷的創意欲罷不能，創造了非常多豐富且精彩的作品。在每次的旅行中，他能敏銳地感受當地的人文地景，並將之轉化進行這樣的「練習曲」磨練基本功，造就了他手到圖來的功力，使他成為設計界一道不可忽視的風景。筆者問他，何來這樣的恆心與毅力？他笑說就像台灣電影《練習曲》中的名言：「有些事現在不做，一輩子都不會做了！」 以台灣作為載體，他還把台灣這塊土地上的植物花卉、川流山石、生態環境、人文風情和家國情懷，通通收納在台灣圖騰裡面，具體而微地展現台灣的多元面貌。例如〈台灣櫻花鉤吻鮭〉是以美麗的弧線構成律動的魚身，是一件優秀的作品。櫻花鉤吻鮭是冰河時期留下的魚類，因為地殼變動，高山隆起，河流阻斷，讓它們回不到洄游的大海與河流。但它們強韌的生命力，重新適應武陵農場七家灣溪的生態而奇蹟般存活了下來，成為台灣最珍貴的國寶魚。櫻花鉤吻鮭的傳奇，本身就具有很強的啟示性，林磐聳這件作品傳達了台灣最具象徵性的生命力。 〈書香台灣〉也是一件精彩的作品。他巧思把台灣包裝成一本半開的書，並從中開出美麗的花朵。看似簡單的筆觸裡，有著綿密的思考。閱讀是最經濟的旅行，打開書本你就擁有世界。閱讀，你的思想就可以開花結果，多美好的想像。因此，法蘭克福國際書展台灣館選擇這件作品當主視覺，真的是再恰當不過了。 〈台東蝴蝶蘭〉也是練習曲中的精品。台灣原生種的白色蝴蝶蘭，曾代表台灣在花卉市場和花藝界大放異彩。一盆盛開的蝴蝶蘭構成一個台灣島，細緻豐富的點描線條構圖，自帶一份高雅氣味。〈野薑花香〉構圖活潑，吸引目光，野性的香氣四溢。展現台灣山脈之美的〈中央山脈〉，百岳從北到南，依序展開，在雲霧間隱現，傳神至極。從屏東到台東的〈九彎十八拐〉舊南迴公路，以S型為設計基調，連成一幅流動的畫面，忠實傳遞逢山開路、逢水架橋、峰迴路轉的險峻，也給人一種飛馳期間的暈眩感和台東人回家之難的體驗。〈永結同心〉則從彩帶構思，以絲帶線條的圓弧律動包紮台灣，別出心裁，效果奇佳。上述這些簡介只是他眾多作品中的幾個例子，但每幅作品都不禁叫人讚嘆，他變化萬千的藝術手法，展現出多元多彩的台灣風情。(見圖24) ●圖24：〈台灣練習曲〉系列作品－屏東東港老家黃金葛(左)、台灣櫻花鉤吻鮭(中)、台東九彎十八拐(右)  除了手繪台灣家書和練習曲外，他對台灣的執著，竟然轉到收集看起來像似台灣的物件。他從杜象(Marcel Duchamp，1887～1968年)的〈噴泉〉(Fountain)得到以「現成物」(Art Object)來進行藝術表現的靈感，也就是以一件藝術家「挑選」，而非「製作」的現成品來展出。這種達達主義(Dadaism)精神，擺脫物件原有的功能屬性，重新把它安置在一個新的情境脈絡(Context)，讓物件產生全新的意義。換言之，這個系列企圖擺脫傳統繪畫藝術的規範，要拉近生活與藝術的距離，啟發觀者只要有心，都可以找到新的角度，從平凡的生活中，發現生活裡處處都潛藏著不平凡的美。 林磐聳常說：「只要有心，就會看見台灣」。於是他從石頭、樹葉、白雲、琥珀、蔬果、木紋ÿ等自然物裡去尋找形狀類似台灣島嶼造型的圖像，他把這個系列稱作「台灣觀自在」，取其「萬物靜觀自然」，夾帶《心經》的聯想。心經論述佛陀的慈悲大愛與航渡彼岸的智慧，林磐聳透過這個類似「文獻式行動藝術」的表現中，傳達他對台灣最單純、最無私、最令人動容的愛。 筆者問他為甚麼到處撿石頭，他笑稱：「要把流浪在外的台灣撿回家」。他通常會把找到的台灣圖像，拿在手上和石頭的所在地點一起拍照存證。這時候，拿在手上的石頭，也不只是石頭了，而更多的是他對台灣的愛，以及他要帶著台灣行走世界的隱喻。他的浪漫執著和對台灣認真的傻勁感動了他的朋友群，大家都知道帶一塊台灣石頭送他，最能博取他的歡心。 這個帶點實驗性質的「行動藝術」，擴展他的藝術「再現」方式。我們跟著他的足跡，可以看見石頭台灣出現在世界各地。在巴黎、倫敦、馬德里、阿姆斯特丹、柏林、莫斯科、北京、上海、首爾、東京、大阪、京都、曼谷、檳城、雪梨、墨西哥、洛杉磯、舊金山、紐約、大峽谷等地，他都找到流浪在外的台灣圖像。他在哪裡，台灣就在哪裡。 生活美學：文創的社會實踐 林磐聳學生時代追隨王建柱老師進行鹿港手工藝調查研究，受到王老師「以民族為本位，以時代為導向，以生活為重心」主張的感召，雖後來走向設計專業，但他深深體會文化來自生活，也為生活服務；因此他關心生活美學，如何讓美學具體落實到我們的日常生活。他對常民文化的興趣也啟動他對墨斗的收藏之路。墨斗是木匠簡易繪製直線的工具，代表傳統文化對於「規矩準繩」嚴謹、理性、科學的要求，這不僅是對於設計人別具意義，更是體現「道」與「器」合一的文化主體性。這些收藏陳列在臺師大設計系的「台灣設計口」，展示民間藝術的美，也體現了工具因使用而美的理念。 後來他接觸到「日本民藝之父」柳宗悅「日用為美」的哲學及他所推動的應用美學社會運動而大受啟發。他相信日常器物存在的美學就存在生活之中，也就是我們可以透過使用的生活器具，把蘊藏在「器」內的美學品味提煉出來，藉此提高社會大眾日常生活的品質。這種想法呼應十九世紀英國詩人兼「美術與工藝運動」(Art ＆ Craft Movement)領導人莫里斯(William Morris，1834～1896年) 所主張的美學走入生活。這位「現代設計之父」透過紡織藝術的設計改變了維多利亞時期民眾室內裝飾的風格，提高人民日常生活的品味。同時期還有英國藝術評論家兼工藝美術運動的發起人之一的羅斯金(John Ruskin，1819～1900年)，他也指出藝術與生活兩者殊途同歸的關係，並強調藝術是社會賦予每個人的文化財產。藝術不應僅限在美學上提供令人愉悅的經驗，而是應該對整體社會有更積極、更具建設性的影響。他強調藝術的社會責任，認為藝術不應只是有錢有閒階級的賞玩之物，或只是放在博物館裡展示或深藏在富豪的庫房裡。藝術美學要落實在常民生活裡，才有存在的價值。