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高雄市廣告創意協會(KCA) 在第廿屆王靖惠理事長的帶領之下，曾於2023年舉辦馬來西亞國際海報展，並創下極大的迴響。緊接著在2024年7月，KCA擴大與KECD韓國現代設計協會合作雙主辦、蒙古藝術家聯盟協辦，共同舉辦「Flow(流動)-台灣×韓國×蒙古國際海報展」，此次展出共有來自全球41個國家、330件海報創作共襄盛舉，讓設計創意在各國城市角落流動。活動更分別於去年7月假韓國東大門設計廣場、8月假蒙古藝術家聯盟藝廊、11月假台灣高雄福華大飯店陸續展出，讓創意國際串聯展演，成功聚焦眾多設計者目光。 全球41國330件海報共襄盛舉 KCA第廿屆理事長王靖惠表示，此次「2024台灣×韓國×蒙古國際海報展」，係由KCA與KECD合作雙主辦，並由KCA理事長王靖惠、KECD韓國現代設計協會會長柳允皓擔任共同主辦策展人，韓國首展並結合第12屆首爾國際海報展舉辦，深獲當地設計者熱情參與。特別感謝所有參展者及各參展協會理事長、KCA團隊夥伴、KECD柳允浩會長及李佳樺副會長的鼎力合作。以韓國、台灣兩國協會不同的人文及文化底蘊，跨國邀請蒙古、阿根廷、白俄羅斯、波士尼亞與赫塞哥維納、保加利亞、加拿大、中國、古巴、埃及、厄瓜多爾、芬蘭、德國、香港、匈牙利、義大利、印度、印尼、伊朗、伊拉克、日本、巴基斯坦、墨西哥、哈薩克、秘魯、波蘭、羅馬尼亞、葡萄牙、俄羅斯、塞爾維亞、斯洛伐克、斯洛維尼亞、瑞士、土耳其、阿拉伯聯合大公國、烏克蘭、英國、烏拉圭、美國ÿ等國藝術家及設計師共同參與。 王靖惠理事長進一步說明，此次國際展演期望透過創作的澎湃潮動，讓設計師在心中尋找自己的方向與依歸，勾勒出設計的哲思與感性，進而能讓作品悸動於心、共鳴於意，創作出其獨特生命力，於國際展覽互動中共同學習與創新。如同近年KCA在國際創作領域默默耕耘的原心，期許帶領設計師國際接軌，將藝術設計創作鼓動出嶄新的樣貌。 同時，為了獎勵參展設計師，主辦單位還特別規劃獎項機制，讓優秀設計作品能夠脫穎而出、享受榮耀，活動特別邀請九位國際評委做初審與複審的評選。台灣國際評委有三位，皆為KCA第廿屆顧問，分別為施令紅、林宏澤及楊佳璋，而最後決選由KCA理事長王靖惠及KECD會長柳允浩做最終評選。 實現國際合作與推廣設計理念 生活是流動的，如同創作般充滿變化，屬於設計師內心的神秘河流，流動於創作方寸之間，賦予作品生命與難以言喻的共鳴。此次國際展主題「Flow(流動)」由KCA廿屆理事長王靖惠命名，主視覺由KCA會員連佳惠設計，活動總幹事由廿一屆秘書長盧姿靜擔任。首展帶領設計師們來到韓國國際交流，並體驗異國的歷史文化、在地購物美食的饗宴，晚宴中台灣、韓國、蒙古三國設計師齊聚一堂，跨越語言籓籬交流氣氛融洽。此行除帶給設計師一次設計生涯特別體驗，更是一次聚集全球創意海報，跨越時間×空間×人間的「流動」展演。 此次國際展全球41國作品於韓國、蒙古、台灣三地巡迴串聯成功展出，已讓KCA在國際間聲名大噪，將KCA推向國際設計社團之姿，也實現KCA國際合作與推廣設計藝術的理念更上層樓，同時讓台灣設計師有更廣泛的國際設計交流體驗。本文礙於版幅，僅刊錄「台灣×韓國×蒙古國際海報展」28件獲獎海報作品、32件部分國際海報作品、39件台灣海報作品，總計共99件傑出海報作品提供讀者欣賞。

色彩管理在插畫創作中扮演至關重要的角色，特別是對於以復古風格見長的插畫家。筆者身為「双猫大藥房」的創作團隊，確保色彩精確運用，不僅能夠提升作品的質感與意象，還能讓作品在不同媒材和平台上呈現出一致且準確的色彩，從而有效傳達作品的情感和主題。 双猫大藥房的色彩應用 双猫大藥房以台灣早期廣告的復古風格為特色，透過可愛的動物插畫，介紹日常生活中的健康知識。這種風格的實現，離不開精確的色彩管理。 (一)復古色調的選擇╱復古風格通常使用柔和、低飽和度的色彩，例如米色、淺棕色和橄欖綠等。這些色彩的選擇需要精確的色彩管理，以確保在不同媒介上呈現一致的效果。 (二)一致性的維護╱在不同的作品中，保持色彩的一致性，有助於建立品牌的識別度。但這需要在創作過程中，嚴格遵循色彩管理的流程。 印刷作品實際問題現況 一、同一批作品輸出，顏色差異性大 双猫作品大多數會交由平版印刷來做為作品輸出，往往拿到手的作品顏色有時不是非常正確，從第一張到最後一張顏色並不穩定，容易出現色偏，解決辦法大多是只能接受或是挑出較嚴重的作品。過去双猫遇過的問題是送印出去後，回來的顏色都不是我們所要的，最後的狀況就是挑選與接受現況，因此才開始進行色彩管理。(見圖1) 二、檔案與輸出色彩不相符 大部分的創作者還是希望顏色的呈現跟他創作出來的顏色能夠相符，好讓自己的作品能夠完整呈現，但常常調整顏色還是找不到基準點，以至於必須接受作品輸出後色偏的結果。比如這次輸出作品黑色的網點為70%，但呈現的感覺卻是60%或是80%的黑，並不符合原本的設定值。另一種狀況在特別色的呈現也有色偏的可能，原本給予色票的顏色色號，但印回來的作品呈現到另一個色相，甚至是奇怪的顏色，大多往往都只能接受或重新開立獨立版來解決問題。然而另外一個問題，創作者大多數還是在電腦螢幕上進行創作，會習慣依照電腦螢幕的顏色作為調整顏色的基準，所以常常遇到作品跟不上顏色的狀況。(見圖2) ●圖1(左)：同一批作品輸出，顏色差異性大  ●圖2(右)：檔案與輸出色彩不相符 三、顏色找不到具體或量化標準 相信有些創作者想要找出解決的辦法，所以大部分會選擇用多次送印或是經驗法則來解決色差的問題，並從中找出規律。大多數的經驗往往都會付出代價換取，其方法並無錯誤，但耗費的時間跟成本龐大且不切實際，實際上能夠用一些方式來處理色差的問題。(見圖3) 解決色差前建立正確的觀念 在解決色差問題前必須先建立正確的觀念，才有助於作品色彩的展現性以及穩定性，以下是基礎觀念的介紹： 一、色彩管理的重要性 色彩管理的核心目標，是在不同的設備和媒介之間保持色彩的一致性。對於插畫家而言，這意味著從數位畫布到印刷品，甚至是數位展示，作品的色彩都能保持一致，這對品牌形象的維護和觀眾體驗的提升至關重要。 二、色彩管理的基本概念 (一)色彩空間(Color Space) ╱是用來描述顏色的數學模型，最常見的色彩空間包括：(1)RGB (Red、Green、Blue)：主要是使用於數位顯示器，例如電腦螢幕、手機和電視。RGB色彩空間則適合用於數位媒介，但在印刷時需要轉換為CMYK色彩空間。(2)CMYK(Cyan、Magenta、Yellow、Black)：主要使用於印刷行業。由於印刷品是透過反射光來呈現色彩，因此更需要使用CMYK色彩模式。 (二)ICC色彩描述檔(ICC Profile) ╱ICC色彩描述檔是一種描述設備色彩特性的檔案，確保不同設備之間經過色彩轉換後，仍能保持色彩一致性。為每個設備(例如顯示器、打印機)設定正確的ICC色彩描述檔，有助於保持色彩的準確性。(見圖4) ●圖3(左)：顏色的不準確，容易造成印件的不穩定 ●圖4(右)：ICC色彩描述檔(ICC Profile)圖示 (三)螢幕上的校色(Monitor Calibration)╱螢幕校色是透過調整顯示器的發光效果，使其顯示的色彩與標準色彩一致。這可透過專業的校色器及軟體來完成。定期校正顯示器，確保顯示的色彩是真實且準確的。(見圖5) 三、插畫家在創作過程中的色彩管理實踐 (一)選擇適當的色彩空間╱在數位創作軟體中，選擇適合的色彩空間。例如，Adobe RGB比sRGB擁有更寬廣的色域，適合需要高色彩精度的作品。然而，sRGB是網路和多數數位設備的標準色彩空間，因此在為網路或數位設備創作時，選擇sRGB可能更為適合。 (二)使用正確的色彩描述檔╱依據不同的輸出設備(如印表機或印刷機)設定相對應的ICC色彩描述檔，確保螢幕顯示的色彩與輸出品色彩一致。這需要使用正確的印表機輸出設定，或是與製造商、印刷廠合作，獲取正確的ICC色彩描述檔。 (三)定期校正設備╱務必定期校正顯示器和其他輸出設備，以確保色彩呈現的準確性，這可以透過專業的校色器去完成校色工作。(見圖6) ●圖5 (左) ：使用螢幕校色設備進行螢幕校正，確保螢幕顏色準確穩定 ●圖6 (右) ：利用儀器校準輸出設備，讓輸出設備的輸出更加準確與穩定

由王明嘉字體修院規劃設計的《經典字卡》是全世界第一套以卡片形式和名片尺寸印製的西洋字體樣本，打破傳統書冊式字體樣本的限制與不便，可以做優質紙本印刷的精微字形識認和同時多卡比對的精準字體選用，更是彌補電腦銀幕字形細節粗糙和手機字體漂浮不定的缺陷。《經典字卡》是由真正字體行業工作者，將深邃微妙的字體專業知識做傳承提升和革命轉化的成果。本刊特別專訪作者王明嘉談談出版這套字卡的目的及緣由，以及能提供設計師哪些創作靈感。 Q1：你為什麼設計製作發行這套《經典字卡》？ A：我在美國讀書和上班時期就養成隨時隨地識認比對字體的習慣。除了公司和家裡塞滿各造字廠的各式各樣厚厚成冊的字體樣本，我出門時背包裡也都會塞放一、兩本單薄簡便型的字體樣本，方便隨時隨地翻閱比對。回來台灣之後，自己開設計公司，經常要出門接洽設計事務，攜帶厚重或好幾本簡易字體樣本非常不方便，因而心萌製作一套可以簡易查閱比對又可以彈性份量攜帶的字體樣本，這就樣著手規劃設計並印製了名片形式和大小尺寸的《經典字卡》。 Q2：都已經全面進入到電腦網路時代了，為什麼還要使用紙本印製的字卡樣本？ A：字體是視覺平面設計這行最深邃的專業階段，字體造形的微妙筆劃細節和字體編排的深邃知識文化，沒有十幾二十年以上經歷的設計人很難踏入字體殿堂的一步。我是全世界第一批使用麥金塔電腦的專業平面設計人，也是最早在美國專業造字公司工作過的台灣設計人，當然知道電腦的方便性，卻也更明瞭在電腦和手機螢幕上觀看字形的粗劣浮光掠影印象和漂浮不定的觀看心態模式，所造成的字體膚淺認知和字形的粗糙表現現象。字體的認識與知識，必須建立在文字體形和筆劃細節的認知基礎之上。只有在穩定和肯定的印刷紙本上，字形的體式和筆劃的細節，才可能做精微細緻的比對識認，字體的認識、常識、知識才得以穩定、準確、長遠地成長茁壯。 ●左圖:由王明嘉字體修院規劃設計的《經典字卡》，是全世界第一套以卡片形式和名片尺寸印製的西洋字體樣本 ●右圖:就像色票是平面設計人必備的專業工具，字體樣本是字體師不可或缺的字形檢索挑選工具。只是傳統的字體樣本繁多厚重，大小不一，不只收拾不易，使用也麻煩。王明嘉在美國當設計指導的牆面書架上就是一整排大小厚薄不一的字體樣本，每次找完字體，都是翻閱堆疊滿桌的景象。有了經典字卡，不只形式短小輕便，還可以隨意組合比對。現在無論在家用餐或到咖啡館喝茶，就是這樣隨手隨機抽出字卡，一邊享受餐飲，一邊比認賞析字體，字體專業能力素養，也就這樣在日常生活中，一點一滴地不知不覺跟著成長茁壯   ●左圖:每一字卡都標示西洋字體界公認的字體挑選三大要件－可讀性、辨識度、灰色調的評比。設計者可依設計品的內容閱讀、字體辨認、色調紋理的特殊需求，做最精準適性的字形選擇依據 ●右圖:綜合古今最主要的字體分類方式並配合最簡明字體造形邏輯整理出來的字體分類索引。攜帶一盒《經典字卡》等於掌握一部西洋字體的簡史族譜及人類字體造形邏輯的縮影要義 Q3：為什麼選這120款字體？ A：西方字體行業向來遵循著古道行規，每個時代雖然都有新款字體的出現，但絕大多數真正專業的造字，都是選擇變異細微，變化漸次的模式。縱然偶爾有新創字體，也大多選擇在某舊有字形款式為創作基石，稍做體型微調或筆劃細節更異。西洋字體將近600年造字歷史，累積上千款的正規字體，但基本上離不開十來類的筆劃類型樣式和上百款代表各類型的重要字體。而《經典字卡》精選從15世紀至今最重要的120款代表性字體，涵蓋所有代表性正統字體及當代精英新創字體的類型款式。 Q4：很好奇這樣以卡片形式做排列組合演繹專業識認的工具，應該會有許多意想不到功能，可能很難從眼前的接觸了解全貌？ A：不錯。我原本只是單純要做一套給自己用的傳統字體樣本替代方案，沒想到字卡印製出來用一陣子之後，發現許多以前使用傳統字體樣本及在電腦手機操作所沒有的精彩功能效果。其實，《經典字卡》不論做為專業實務設計的篩選字形工具，還是做為學校設計教育的字體教學教具，都有很驚人和微妙的功能效果，不是在這小小篇幅的三言兩語可以說明示範。因此我有特別推出“購買40盒以上，王明嘉親自到學校班上帶動示範使用”的推廣活動。雖然這樣活動不只限於大台北地區，但外縣市學校的購買邀請，必須請加付交通費用。 Q5：最後想問你，經典字卡只有在台灣賣售嗎？售價費用多少？如何購買呢？ A：是的，目前並沒有對外發售，只有台灣的設計界同好有機會購買得到《經典字卡》。單盒售價900元(＋50元運費)，5盒以上每盒850元(免運費)，10盒以上每盒800元(免運費)，15盒以上每盒750元(免運費)，20盒以上每盒700元(免運費)。有意購買者請上王明嘉臉書私訊或是電郵聯繫：stmk@ms54.hinet.net。 無論是做為實務設計案件的字體挑選，還是學校字體設計教學的教材輔具，《經典字卡》都是識認微妙字形體型筆劃和養成深邃字體素養的最佳選擇。 ●根據經典字卡的字體分類索引，設計者在初步選定心儀的字體之後，還可以進一步比對選擇同一類型內其它更細微差異的字形，更精準傳達設計品的內容意涵，更微妙表現設計品的形式特質 (1)120張經典字卡囊括西洋字體史上最具代表性的重要字體。經常重複使用這120款字體，等於完整熟悉西洋各式各樣字體特質和字形特徵。面對眼前看似成千上萬的字體款式，就可以胸有成竹地選對字體，做好字體編排設計。(2)正面大字印刷，清晰完整的全部字母及數目符號，一覽無遺地呈現每款字體的體形樣貌特質與筆劃細節特徵。(3)背面以內文閱讀的級數、行間、欄寬植字編排，可以預先檢視每款字體實際版頁編植之後的內容閱讀順暢與版面視覺性格表現的參考價值。(4)名片型尺寸，方便隨機抽卡與設計稿件做最近距離的比對，掌控字體選取的精準度與適用性。無論整盒放進背包，還是挑選數張預選的字卡放在衣袋，隨身攜帶，隨地比對，隨時成長選字、用字、賞字的專業素養。(5)字體家族名稱與延伸字形稱謂以不同粗細筆劃的字形標示。名稱資訊扼要完整，稱謂邏輯清晰明確，是鍛鍊專業字體素養必經認字、識字、識字階段的必備工具利器。(6)17項綜合整理古今最重要的字體分類方式，配合最簡明字體造形邏輯的字體分類索引，一盒《經典字卡》等於西洋字體發展的簡史族譜及人類字體造形邏輯的縮影要義。(7)每張字卡都有依字母順序做數字編碼，方便字卡快速依字母順序排組整理，加速字體名稱的檢索，方便字形的索尋，強化“認字記名”的字體專業鍛鍊。(8)有史以來全世界第一套針對字體挑選的三大要件：可讀性、辨識度、灰色調做精確分析，並用簡明易懂的符號逐字體逐項目評比標示。任何人都可以在最短時間內挑選到最理想適用的字體

在當今的設計領域中，獎項已經成為評定設計專業成就的重要指標。2024英國D＆AD台灣展覽以「獎項是糖果還是毒藥？」為主題，旨在激發對於獎項意義的深度思考與辯證。這個看似相互矛盾的問題，意圖呈現獎項存在的雙重性：它既能激勵創意，成為創作者的動力，也可能成為創意的束縛，限制設計師的表現與思維自由。 這一個主題的深度，還牽涉到文化背景的探討。自工業革命以來，西方國家在設計教育與產業上的卓越成就，奠定了其在全球設計領域中的主導地位。國際知名的設計獎項，例如D＆AD、One Show與Red Dot等，已成為衡量設計卓越與創新能力的重要標準。這些獎項不僅僅具備極高的專業公信力，更象徵著全球設計界對創意的認可與讚譽。然而，這種西方主導的評價體系，也可能讓一些文化背景較為薄弱的設計師，過度依賴這些國際獎項來證明自己的價值。 西方國家主導文化的影響 自工業革命以來，西方國家在設計教育與產業方面的領先地位，使其建立嚴格的設計標準與評判標準。D＆AD、One Show及Red Dot等國際性設計競賽，已經成為衡量設計專業能力和創新的全球性指標。 對於來自文化或資源相對薄弱地區的設計師而言，贏得這些獎項象徵著突破地域限制，進入國際舞台的機會。然而，這樣的熱衷也可能使得設計師在追求國際獎項的過程中，陷入依賴與模仿的創作模式，忽視了對自身文化特質的挖掘與發展。 華人文化中的自信挑戰 在華人文化中，長期以來強調集體價值與謙遜，較少強調對個人創意與表達的肯定。這一文化現象使得設計師可能低估自身的創作價值，將西方的評價標準視為唯一衡量的準則。 台灣的設計教育深受西方影響，課程內容與評價體系多以國際標準為參照，這使得不少的設計師在創作過程中，容易模仿國際趨勢潮流，而非探索具有本土特色的創意風格。 ●2024年D&AD台灣展覽外牆視覺，凸顯「獎項是糖果還是毒藥？」的展覽核心主題   D＆AD展覽主題的意圖 在這樣的背景下，2024年D＆AD台灣展覽提出的「獎項是糖果還是毒藥？」的主題，正是希望引導華人設計師重新審視自己的價值與定位。展覽的目的不僅僅是質疑獎項本身，更是引發設計師反思：獎項是否真正代表設計的核心價值，還是僅僅成為表面上的榮耀？ 此次D＆AD台灣展希望強調，設計的真正價值應該回歸創意與設計本質的探索，而非過度依賴外部的評價體系。 讓獎項成反思契機的初始構想 展覽的視覺設計通常是根據展覽內容進行規劃，尤其是對於具有特定個人風格的藝術設計展，其視覺設計必然圍繞展覽者的作品理念與想法展開。然而，當談及廣告設計相關獎項的展覽時，由於入選作品繁多且風格各異，往往缺乏統一的主題來做為視覺的核心。因此，這類展覽的視覺設計常常面臨更大的挑戰。 從慣例的設計模式來看，當設計師接到展覽海報設計的邀請時，通常第一反應會依據展覽的內容來發展設計。然而，展覽海報不僅僅是宣傳工具，它同時也能作為策展的一種手段，這一思考方式正是筆者在早期探索設計可能性時所重視的方向之一。 「獎項是糖果還是毒藥？」這個問題作為展覽主題的起源，源自於2009年回到台灣後，受邀至多所大學演講，主題多聚焦於分析國際設計競賽與其得獎作品。這些經歷讓筆者回想起1986年高職美工科畢業後，當時在出版社擔任助理美術編輯的經歷。那時，筆者依然會在工作之餘翻閱美展得獎作品的書籍，從中汲取設計的標準與靈感。 1987年，筆者有幸在台北市美展的設計類中獲獎，這份成就感促使我積極參與各類比賽，並累積了不少經驗與自信。然而，這段看似順利的經歷，在筆者進入實踐應用美術科三年制專科時，遭遇了一次重大衝擊。當時筆者將自己的參賽作品展示給課堂老師看，期望能夠獲得一些指導，卻被老師當著全班面前指著筆者鼻子大罵：“李根在，你的設計已經死了，不要再做設計了！”這番話令我震驚且困惑，尤其是在筆者獲得獎項，並且作品被認為是優秀的情況下。 這份困惑並未持續太久，在二年級時，筆者發現那些沒有太多既有學習經驗束縛的同學，反而能以更開放與自由的視角來探索設計。而我，由於過去的技術訓練與以比賽為導向的創作方式，漸漸將自己的設計風格固化。當我將自己一年級所獲獎的作品集中起來檢視時，驚訝地發現這些作品雖然風格統一並屢屢得獎，但卻缺乏多樣性與創新性。這讓筆者深刻理解老師當時批評我的設計“死了”的真正意涵：過於追求獎項，雖然能帶來外在的成就，但若缺乏反思與自我突破，設計的可能性便會被侷限。 回到台灣後，筆者受邀前往分享國際競賽相關議題時，不禁回想起那年一段重要的經歷。參加比賽是檢視自己設計能力的一種方式，而獲得獎項則是作品在專業評審中獲得肯定的象徵。然而，若是將比賽與得獎視為終極的目標，是否會反而侷限設計師的創作可能性？ 十多年前，筆者曾與一位設計師朋友在線上頻繁交流。有一次，筆者分享了自己對海報本質的體會：海報的關鍵不在於其尺寸，而在於它所承載並傳遞訊息的功能。即便是一張A4紙，只要能有效的傳遞訊息，也應該被視為海報。然而，這位常常參加國際海報雙年展的朋友對此嗤之以鼻，認為這種看法站不住腳。他提到，歐洲的教科書已經明確規範，海報應有特定的尺寸，並反問道：“你拿A4的「海報」去華沙，他們會收嗎？” ●設計規劃完整的2024年D&AD台灣展覽視覺應用項目  

獎項是糖果還是毒藥的反思 上面這段對話讓筆者深刻的意識到，當設計的目標過度集中於比賽與獎項時，可能會侷限設計師的創作想像力。因此，筆者開始反思：獎項究竟是“糖果”還是“毒藥”？ 當筆者開始構思2024年英國D＆AD的台灣展覽視覺時，正是因為在去年五月受邀擔任D＆AD Typography類別的評審團主席，我在倫敦評審現場目睹激烈的討論和分歧，這使得筆者對設計思考有了更多反思。這些獲獎作品代表著設計領域的高水準，無疑會成為全球設計師的創作參考作品。然而，當我想到在校學生的學習過程時，不禁質疑，這些獲獎作品是否真的是學生的最高標準？從學習的角度來看，是否應該引導學生超越那些已被肯定的作品，並朝向未來尚未被認可的創新設計發展，這才是從事教育的真正目標？ “獎項是糖果還是毒藥？”這一問題作為展覽核心，旨在將獎項這一普遍存在的現象轉化為一個深刻的反思命題。獎項的意義在於表彰創意與卓越，但當過度依賴獎項作為設計價值的唯一標準時，往往會忽視創作本質。此次展覽希望透過這一問題，引發觀眾與參與者的深層思考，並激發更多對設計本質的探索。 即便是一張A4大小的紙張，承載了訊息並貼在牆面上，也能視為海報。在十多年前，筆者曾深入思考過海報本質，這個想法隨之油然而生。海報的起源，在中國傳統中有著「四海通報」的稱呼，強調其作為訊息傳遞工具的功能，特別在商業與公共領域，用於發布消息、公告或宣傳活動。這種名稱背後，蘊含著將訊息廣泛傳播至「四海」的寓意，反映了傳統文化中的通達性理想。另一方面，「招貼」一詞則更直接地描述了海報的用途，即透過將宣傳內容「招」引公眾的注意並張「貼」於牆面、公共場所等顯眼位置，強調了海報作為物理媒介的特性和行動屬性。 「四海通報」偏重於功能性的描述，強調海報的廣播式傳播特性，側重訊息的普及性；而「招貼」則注重形式和物理呈現，突顯這一媒介在公共空間中的可視性與引人注目性。無論是「海報」還是「招貼」，其核心本質都指向公開張貼與廣而告之的功能。從溝通的角度看，無論是規模多大的海報，甚至一張A4大小的紙張，只要承載著訊息並貼在牆面上，仍可以視為海報。 在此次展覽的宣傳中，筆者希望以開放的方式鼓勵學生設計師從不同角度解讀這一主題。在海報設計上，筆者從十多年前的這個想法中得到了靈感，並將其與此次展覽的主題相結合－「獎項是糖果還是毒藥？」這個帶有哲學意味的提問，旨在激發參與者的反思。參與者，無論是研究生還是設計師，都被邀請利用已印有展覽資訊的16×16公分小卡片，作為回應主題的元素。透過他們的創意思維，將這些小卡片拼貼成圖案，並將其張貼於校園牆面上。每一個作品旁邊都有標註展覽資訊，以及參與的學生設計師對於這個問題的創作說明。在這樣的呈現中，這些作品不僅成為策展內容的一部分，也成為英國D＆AD展覽海報的視覺延伸，並與校園環境視覺相結合，帶來不同層次的思考與互動。 ●突破傳統海報框架的展覽海報系列，實現作品與宣傳的雙重功能，並讓每個作品不僅是藝術的呈現，也成為展覽訊息的傳遞者(海報設計團隊╱朱冠丞、陳冠霖、歐謹瑄、李真慧、蔡文容)  設計過程強調啟發與實驗性 展覽的設計過程強調啟發性與實驗性，學生在創作中經歷了以下幾個步驟： (一)問題意識的建立╱學生首先被引導反思自己對獎項的態度，這一個過程促使他們重新檢視對成功與創作的看法，並對自己的創作動機進行深度反思。 (二)視覺語言的探索╱學生們透過圖像、文字或符號的形式，探索如何表達對主題的理解。例如，一些作品運用了糖果般甜美的色彩來象徵成功的喜悅，並以陰暗的背景隱喻獎項可能帶來的壓力與挑戰。 (三)展示形式的設計╱學生將印有展覽資訊的小卡片轉化為回應主題的視覺圖案，並將這些作品拼貼成一種「不像海報的海報」。這些作品被巧妙地分散在校園的各個不同角落，同時採取非傳統的展示方式，旨在引起觀眾的注意，並激發他們對作品背後意圖的好奇心。 此外，每件作品旁並附有創作者的說明卡，解釋其對主題的回應以及創意理念。這些作品同時充當了展覽的宣傳海報，突破了傳統海報的框架，實現了作品與宣傳的雙重功能，讓每一個作品不僅是藝術的呈現，也成為了展覽訊息的傳遞者。 展覽後續的回應與影響 在展覽期間，一名美術班學生於其YouTube影片中提出對學生美展的種種質疑，並引發網路上的一陣討論，展覽主題也引起不少反思與討論。因應網路上的熱議，媒體記者致電詢問，希望筆者能分享此次展覽主題的觀點。最終，相關內容在新聞媒體上得以刊登，並對展覽進行介紹。 而在社交媒體及學術界方面，一些人對於展覽所傳遞的訊息給予高度評價。他們認為，這是一個鼓勵設計師重新審視自身價值與定位的有力嘗試。然而，也有部分觀點指出，過於批判獎項的作用可能會忽視其積極意義。獎項，作為對努力與創意的肯定，在許多情況下能夠為設計師提供展示的舞台與機會，幫助他們在更廣泛的層面上得到認可與肯定。因此，如何在反思與肯定之間找到一個平衡點，將是未來值得持續探討的議題。 在參與回應的學生中，有不少已獲得國際獎項。例如，有學生的課堂作業在大二時便榮獲台灣國際平面設計大賽金獎，甚至獲得紅點設計概念獎的最佳獎項。然而，也有學生未能入選。他們透過創作過程中的反思與討論，重新審視自己的目標與定位，進一步深化對設計價值的理解。 然而，最重要的是，透過這個國際設計獎項展覽，從展覽主題設定到突破傳統宣傳方式的嘗試，重新審視對設計媒介的理解並開拓設計思維的可能性。這正是筆者在引入國際設計獎項展覽時所期望的附加價值，不僅是觀看國際設計獎項的獲獎作品，更是在實際策劃展覽的過程中，拓展設計的無限可能。

(二)使用什麼樣的印刷標準跟ICC色彩描述檔╱大多印刷廠的預設Japan Color 2001 Coated或是Japan Color 2011 Coated，但這些印刷廠不見得是以Japan Color的規範來校正印刷機，因而造成數位稿校樣色彩或打樣稿，與印刷品不符的情形。若是以G7為標準的印刷廠，常見的色彩描述檔就會是ISO15339 CRPC6(塗佈紙)或CRPC3(非塗佈紙)。有做色彩管理的印刷廠，可能會有自己的印刷標準，就需要詢問印刷廠印刷標準是依照什麼標準在製作。除了國際標準可以依循，印刷廠也有自己印刷機的客製化ICC，告訴大家印刷機可以印出的顏色，ICC就是印刷機的色彩DNA。(見圖13) (三)用什麼樣的加工方式╱主要如下：(1)成品尺寸。(2)用什麼樣的紙張－塗佈或非塗佈。(3)印什麼顏色－特別色或四色。(4)成品數量。(5)加工方式－貼膜或燙金ÿ等加工方式。 Q4：如何模擬印刷機的顏色？ A：若已是CMYK檔案，可以利用Photoshop指定描述檔功能，來模擬印刷顏色，可預覽印刷後的顏色。(見圖14) ●圖13(左)：印刷廠如有進行色彩管理的控管，ICC色彩描述檔的使用會非常明確，在色彩溝通上會更為直接明瞭 ●圖14(右)：不同色彩標準呈現出的顏色狀態也不相同，使用狀態上需注意印刷標準是否正確 以色管角度解決色差問題 從色彩管理的角度來解決創作者作品色差的問題，是現今最好的印刷方式，減少溝通成本以及印刷知識的落差，對於創作者本身與印刷廠來說都是雙贏的局面。印刷廠可透過色彩管理，減少印刷的錯誤率進而提升效率及品質，創作者來說得到相對應的作品顏色，讓創作能夠完整呈現於大眾，傳遞作品的訴求，對兩造雙方都是有益。 双猫大藥房是誰及主要角色 双猫大藥房是由兩隻猫咪藥師經營的傳統藥房，和動物鄰居一起介紹日常生活可能遇到的小毛病或中西藥小知識，偶爾也分享一些鄉里傳說和工作趣事。由可愛有趣的動物們和台灣早期廣告復古風格的插畫，讓讀者可輕鬆認識更多健康小知識，除了藥房型態外，双猫大藥房可以在不同型態中呈顯出相對應的樣貌，像是在美食、雨傘、手機殼、保溫杯ÿ等商品與場景上都能發展出相對應的狀態與特色，讓主題風格更加有趣、記憶點獨特。進而讓大眾對双猫大藥房有更深層認識，是一款有趣及鮮明和多元的插畫授權IP。(見圖15) 双猫大藥房的主要角色介紹：(1)Mamo╱双猫大藥房的主理藥師，個性謹慎冷靜，喜歡吸收各種新的知識，來解決客人的疑難雜症。(2)Hana╱双猫大藥房的副手藥師，個性活潑熱情，時常主動與客人互動交流，來發現客人的需求。(3)其他好朋友╱双猫大藥房的鄰居好友們，時常來藥局串門子話家常。(見圖16) ●圖15：双猫大藥房是由兩隻猫咪藥師經營的傳統藥房，是一款有趣及鮮明和多元的插畫授權IP，左下為營養小偷，中下為台南特產麻油碰餅、右下為參加2024文博會主視覺 ●圖16：双猫大藥房主要角色介紹  而双猫大藥房目前的品牌營運狀況，其曾參加過數次大型展覽會與線下市集，具備自有的商品開發能力及授權圖像能力，已與數家知名廠商聯名合作，陸續還有洽談授權合作。曾經參與過知名展覽如下：(1)與遊戲橘子beanfun!合作參與2023年台灣文博會。(2)2024年台灣國際創意禮品文具展。(3)2024年台灣文博會ÿ等。(見圖17)。 另外，還有双猫大藥房自製及聯名商品，包括常備用及廣告標語藥品文創貼紙、鑰匙圈等，與Unicorn公司聯名的手機殼、連蓋耳機套、吸管保溫杯、磁吸充電器等各式商品，以及和雨之情傘業公司聯名合作的棉花羽毛傘商品，都受到消費者的青睞與喜愛。(見圖18～20) ●圖17(左)：與遊戲橘子beanfun!合作參與2023年台灣文博會 ●圖18(右)：双猫大藥房自製的廣告標語藥品文創貼紙 ●圖19(左)：双猫大藥房與Unicorn公司聯名的各式商品，主要以冒險家及小畫家作為主題 ●圖20(右)：双猫大藥房與雨之情傘業公司聯名合作出品的棉花羽毛傘商品系列  

四、常見色管挑戰與解決方案 筆者在此分成印前及印刷兩個階段分享，首先是印前部分： (一)確立圖稿是否正確╱在發印給印刷廠之前，建議先把圖稿顏色、文字、編排位置、加工圖層檢查過一遍，例如四色顏色的疊印數值總值是否超過200～250%，或其他印刷廠設定數值，或者是印後加工廠是否有慣用加工方式，需要設定的圖層、圖案等注意事項在發印前務必檢查妥當。如有印刷廠提供的色彩描述檔，可在Photoshop預視印刷顏色是否正確(前提是螢幕要校準在標準情況下)，以免因未注意而造成重工或完成後發現無法解決的問題，是確保印件能夠達到作品水準一個重要事項。 (二)打樣階段╱該階段是確立印件正確性的動作，可以預先知道真正印刷出來的印件會是長什麼樣子，像是顏色、版面位置、版面文字大小與文案、加工方式模擬等，能夠在打樣期間做確認，但這是開獨立版才能享有的方式，如果是合版印刷可能就沒辦法享有以上打樣階段的好處了。合版打樣的作法有侷限性，依然能夠檢查文字大小、文案與版面位置，但無法模擬顏色與加工狀態，這是合版較為劣勢的地方。(見圖7) (三)不同設備間的色差╱不同螢幕和不同印刷機可能呈現不同色彩，解決方法是為每個設備進行校正，並設定正確的ICC，這個階段就必須倚賴色彩管理，讓這件事變成可被預見的方式，使打樣稿能夠貼近實際印件。 (四)數位稿與印刷品之間的差異╱如果稿件所顯示的是使用RGB色彩空間，而不是印刷所常使用CMYK，這可能會導致螢幕與實際生產色彩差異。在創作時需要考慮最終的輸出媒材，可在軟體中模擬印刷效果，例如善用Photoshop與Illustrator中的校樣色彩功能。(見圖8) ●圖7(左)：利用輸出設備來進行打樣，確保印件顏色與稿面圖像、位置、文字是否正確 ●圖8(右)：善用Photoshop與Illustrator中的校樣色彩功能，能讓稿件先預視印刷效果   其次，在印刷現場的部分，請參見如下說明： (一)環境光對色彩感知的影響╱環境光的變化會影響對色彩的感知，需在光線穩定的環境中進行看色，看色台燈光跟環境周遭光源也是重要的因素跟環節。假如在印刷機看色台看色光源是符合標準光源，例如：D50標準接近日光，可是如果拿到看色台以外的光源，像是一般日光燈下，這有可能會有顯色錯誤的問題，解決方法就需要訂定是在什麼樣的光源下做標準，或是標準光源的燈箱觀看，才能達到所要求的印件色彩標準。 (二)紙張與油墨的設定╱有人說紙張為印刷第五色，也就是說紙張將會影響印刷品的色彩表現，所以在紙張挑選的同時，需知道紙張特性是如何。紙張大略分成兩大類，塗佈與非塗佈，細項部分就要取決您要什麼樣的紙張，紙張特性不同所呈現顏色也不同，即使是白色的紙也是有不同顏色的色相。如果能夠了解紙張特性在印刷上的展現，將有助於色彩的管控。紙張加上油墨的關係狀況就會更加微妙了，油墨的印刷色序也會影響顏色展現，國際印刷標準ISO 12647標準色序為K→C→M→Y，為了能夠減少色彩疊印時的混色現象，色彩還原性的完整，維持標準色序是必須注意的。油墨的好壞也會影響印件結果，好的油墨色濃度夠高，墨層不必太厚就能夠達到足夠的密度，可以減少網點擴大率與乾燥問題，對印件色彩管理更加輕鬆，顏色展現更漂亮，是達到穩定印件管控的要件。總結來說，知道紙張的特性與油墨之間的關係後，不管印刷過程的管控，還是創作或設計者的作品效果呈現，是利大於弊的。 (三)印刷廠是否按照色彩管理標準印刷╱按照前文印前部分所提到的色彩管理方式，包含ICC色彩描述檔、螢幕校正、軟體預視的印刷結果，現在來驗證實際印刷樣是否達到色彩一致性，如果是有做印刷標準化(例如G7)與色彩管理的印刷廠，在看色上可以在很短的時間內完成印刷品，無需擔心變數。如果印刷廠不具備印刷標準化與色彩管理的能力，需要耗費大量的時間去校正顏色外，變異的因素也很多，例如機器設備不穩定、印刷水槽水的溫度與酸鹼值不符合標準、橡皮布後面襯紙條數不對、墨輥與水輥傳遞不正常等情況，皆可能造成印不穩定，以致於色差問題產生，在印件完成上就格外不準確，並且要勉強接受印件的不完美。(見圖9) (四)出版機與沖版機是否穩定╱大部分的人有時會忽略了印刷機(筆者通常使用平版印刷機)還是需要印刷版進行印製，如果印刷版不穩定也會增加印件的不穩定性，例如網點50%，可能因藥水換新或是弱化ÿ等原因，造成網點數變高為52%或變低為48%。這樣狀態下印刷容易出現色差問題，不管印刷機再如何調整，控墨還是會存在色差風險，所以出版機與沖版機是否穩定，也是色彩管理中需要管控的一個要件。(見圖10) ●圖9(左)：印刷設備要能夠達到印刷標準，設備就必須進行色彩管理的校正，才能得到相對應的印刷標準 ●圖10(右)：出版前的檢查，也確保印刷版在正確設定下進行出版，讓色彩管理的工作能夠穩定運作 五、Q＆A及創作者色差排除的四大問題 Q1：電腦螢幕到底能不能當作對色的標準？ A：可以，但是這其中牽涉到以下幾個層面： (一)螢幕是否有經過校正╱如果螢幕是老舊或是非較廣的色彩空間，螢幕的色域較窄就無法準確顯示所有色彩，這樣的螢幕不能作為可靠的色彩參考。 (二)您用什麼樣的印刷標準來看您的印件╱現今有許多的標準可以來當作印件標準，例如G7、FOGRA、SWOPÿ等標準，通常亞洲預設的標準都是Japan Color 2001 Coated，或是版本較新的Japan Color 2011 Coated。這會因使用的標準不同，所呈現的顏色也會不同。 (三)您在什麼樣的光源下看您的螢幕╱螢幕的顏色表現，還是會受到周圍環境光源的影響。D50與D65的情況下，根據色溫不同，顏色的展現也會隨著環境變化。(見圖11) Q2＆Q3：要如何跟印刷廠溝通我的印件？什麼是ICC，如何知道我的ICC是什麼？ A：針對以上這兩個問題，茲主要說明如下： (一)您的檔案是否在CMYK模式下╱一般如果您的檔案不在CMYK模式下，則會出現顏色的落差，創作者在製作檔案時會忘記檢查轉換後是否在CMYK模式下，印刷廠檢查檔案時發現不在這個模式下，來回溝通的時間就會變長，所以要仔細注意印刷廠相關規定。(見圖12) ●圖11(左)：擁有三件要素，對於色彩管理至關重要 ●圖12(右)：創作者有時會忽略的即是RGB→CMYK的轉換  

  Con McHugh 與運動品牌 On 合作，為全新 Cloudboom Max 跑鞋製作一支 60 秒廣告，將它轉化為一個充滿魅力、幽默與彈性的角色。 這個廣告活動的起點是一個簡單想法：如果鞋子自己介紹自己的功能會怎樣？On 的創意團隊構想了一個帶有手繪個性的鞋子，擁有手臂，準備展示其科技特性。Con 受邀將這個概念實現，不僅塑造角色的外觀，還設計其動作、手勢及與劇本的互動方式。 Con 說：「這是一份巨大的信任。他們已經確定了配音，但其他幾乎沒有設定。我有自由去探索 Max 的外觀和動作。我們希望他看起來超酷，而不只是個會說話的鞋子。」 1,400 幀手繪 一個巨大的創意挑戰隨之而來——手。對許多插畫師來說，手是終極難題，常被避開或簡化。但這個項目需要完整的一系列手部動作，精確來說，是大約 1,400 幀手繪 。 Con 毫不畏懼，並全力迎接這個挑戰：「我從不會逃避畫手，但也從沒畫過成千上萬的手。我們嘗試了浮空手、戴手套的手以及變形手。最終風格是一種俏皮混合——粗線條、有彈性、柔軟，帶點天真感，就像街頭藝術，或是我的速寫本裡撕下來的東西。」   2D 與 3D 的結合 為了讓鞋子本身呈現真實重量與立體感，Con 與 TwoMuch Studio 合作，後者創建了 Cloudboom Max 的精緻 3D 渲染。製作過程像是一場創意接力：Con 與 TwoMuch 不斷交換草圖與動畫分鏡，直到節奏與時機完全到位。 一旦確定設計，Con 開始逐格動畫的繁瑣工作，在布里斯托工作室度過數週漫長的日子。「我的日子就是可可、伸展、畫畫直到半夜，或許吃個三明治，或許到港口散步。」他笑著說。 最終呈現的是一支趣味十足的混合媒材動畫，將手繪插畫的魅力與數位 3D 的流暢感融合。成片搭配 TwoMuch 的音效設計，幽默又溫暖地捕捉了 Max 的個性。   從爵士海報到全球廣告 當然，Con 並非首次將傳統技法與其他媒材結合。他在 2023 年的布里斯托爵士音樂節動畫海報系列，首次讓他受到關注，將音樂、動作與角色插畫結合，創造出新鮮而令人印象深刻的作品。 其創作核心是節奏感、克制與擁抱不完美。作為一名神經多元藝術家，他關注如何將複雜概念轉化為清晰、簡單且常帶幽默感的視覺語言。他的作品帶有懷舊與人性觸感，在精緻數位設計盛行的時代中格外突出。 Con 目前定居布里斯托，曾在挪威藝術大學研讀設計，也曾在德國美因茨應用科學大學學習插畫。他持續在商業合作與個人創作之間取得平衡，最近還迎來一隻名為 Mungo 的新小狗，豐富了他的生活。   內容來源: https://www.creativeboom.com/

芬蘭新建築與設計博物館將成為赫爾辛基的地標性濱水項目 JKMM 建築師贏得國際競賽，將設計芬蘭全新的建築與設計博物館，該項目位於赫爾辛基歷史悠久的南港濱水區。此次競賽吸引了 624 份匿名提交作品（可參考 designboom 的先前報導），JKMM 的勝出提案在競賽中以「Kumma」為代號，旨在為市場廣場及瑞典堡 UNESCO 緩衝區附近的重要地段注入文化活力，為城市提供新的文化核心。博物館預計於 2030 年開幕，將整合芬蘭兩大設計機構，收藏超過 90 萬件文物。 JKMM 建築師創始合夥人兼首席設計師 Samuli Miettinen 表示：「我希望新建築與設計博物館的規劃與實現，能展示如何以負責任且精湛的方式建造新事物。建築與設計是深具人性—它們源於夢想與渴望，並在我們共同體驗和生活的場所中賦予意義。」   全球競賽爭奪赫爾辛基新文化地標 競賽於 2024 年 4 月啟動，吸引來自全球的參賽作品，其中約 20% 來自芬蘭，義大利、美國、法國與英國也有強勢代表。由 Mikko Aho 主持的評審團選中位於赫爾辛基的 JKMM，其作品能與港口城市景觀融合，同時保持明確的公共存在感。勝出設計以雕塑般的再生磚使用、強烈的城市露台設計，以及在設計發展過程中兼具宏偉與親和力的潛力而脫穎而出。 第二名由葡萄牙／比利時的 Cossement Cardoso 獲得，作品名為《City, Sea and Sky》，瑞士工作室 Lopes Brenna 獲得第三名，作品為《Moby》。芬蘭建築師團隊與法國 Atelier Orda 也獲得肯定，前者以《Tyrsky》獲第四名，後者的《TAU》獲購買選項獎。   南港場地與城市轉型 JKMM 設計的博物館將興建在南港一處空置碼頭地塊上，這是一個象徵性地點，位於赫爾辛基歷史中心與海港之間。周邊地標包括阿爾瓦·阿爾托的標誌性「糖立方」、城市的東正教與路德宗大教堂，以及艾斯普拉納公園。該項目是港口再生策略的一部分，旨在將港口轉型為文化與公共區域，並由芬蘭政府及赫爾辛基市提供資金支持。 完成後，10,050 平方米的建築將提供靈活且包容的公共中心空間，包括展覽廳、設計圖書館及對公眾開放的露台。博物館將吸引本地居民與國際訪客，使其成為探索建築與設計如何影響日常生活的場所。   2027 年開工，2030 年開幕 博物館的核心使命是「民主化設計工具」。除了展示像 Aino 與 Alvar Aalto、Eero Aarnio、Maija Isola 以及 Eliel 與 Eero Saarinen 等設計師的物件、信件、模型與照片外，博物館還提供公眾學習平台。展覽將探討設計在當代全球挑戰中的角色。高規格巡迴展、教育工作坊以及參與性活動，將使設計技能在不同社群中更加可及與相關。 可持續性是競賽簡報的關鍵要求，赫爾辛基目標於 2030 年實現碳中和。JKMM 的設計方案整合氣候智慧解決方案，並因其生態與社會響應能力而獲讚賞。每份參賽作品皆經過 KONE Finland 的人流分析，並由用戶群參與的公開工作坊影響評估過程。評審團表示，「Kumma」展現出作為未來博物館建築的韌性與社會包容性範例的潛力。 建設預計於 2027 年開始，開幕定於 2030 年底。作為可持續且包容設計的未來基準，新博物館將彰顯芬蘭全球設計卓越的聲譽，並為赫爾辛基在波羅的海沿岸增添新的公共地標。   內容來源: https://www.designboom.com/